崇高的實踐帶來的是當今藝術最為關鍵的實驗精神，而不是尋求共通感。「交流根本不存在，因為標凖體系不夠穩定，作為無法找到它的指定位置，確保得到公眾鑑賞的機會。」21，這種後現代的「崇高感」更強調一種當下感受的異爭感：想象力的無力呈現理念的力量給我們痛感，但理性力量的整體要求和它蘊涵的道德力量又給我們快感。



崇高與先鋒本身就是密不可分的，而崇高也許是唯一的描述現代藝術感覺的方式。在崇高這種矛盾的情感中，不確定性時有時無，這是十七世紀末到十八世紀末的浪漫主義的藝術反思方式，但它仍舊不夠徹底，因為它仍舊以某種確定的理念作為最後的歸宿。而從十九到二十世紀的藝術賭注才真正利用崇高美學來使自己成為不確定性的見證者。在詰問此在也就是作品的同時，先鋒派藝術拋棄了作品以前那種接受者團體相關的認識作用，也就是像康德那樣將共通感作為合法性的推斷，而不是實際的現實。…

利奧塔寫道：事件總是在貧困中到來，主體之於事件只能等待和懸隔。在這種等待中，真正的恐懼是不發生，是什麼都沒有發生。紐曼的作品在欣賞的方式上取消了信息發送者、接收者和參照物的交流形式。它呈現時間而不是空間，是向耳朵打開，而不是向眼睛。對時間與聲音的強調，使得利奧塔更側重於紐曼作品的猶太性質。

繪畫的首要主題對於紐曼來說等於時間的瞬間性，而在畫面上紐曼為什麼選擇「非具象」的繪畫，甚至不是一個象征意義上的形象呢？這同樣是一個時間問題。對於博克（Burke）…

三、利奧塔的瞬時

紐曼將崇高與時間關聯起來論述崇高的藝術史的方式，給予利奧塔寬廣的哲學闡發空間。紐曼的「崇高」的時間啟發了利奧塔，他不僅證明了利奧塔的哲學旨趣與見解，他的觀點直接參與和影響了利奧塔對藝術哲學的思考。利奧塔對抽象表現主義興趣濃厚，早在《力比多經濟學》中，利奧塔便開始評論抽象表現主義。他用力比多的能量動力學解釋了抽象畫與具象繪畫的差異。這個階段，利奧塔主要用從弗洛伊德的潛意識發展而來的不可表象的「形象」（figural）與法國當代哲學的佈置（dispositif）概念來解釋抽象畫。

首先，利奧塔指出抽象畫的佈置…

希臘的藝術堅持狂喜的崇高的感覺是一個完美的形式，它和理想的感性是相同的；朗基努斯（Longinus）也是這個混淆的代表。他仍舊沒有從柏拉圖的關於美的態度中走出來。狂喜的崇高感與完美的陳述（一個客觀的修辭）等同起來。



紐曼指出，這個混淆一直延伸到康德的先驗知覺（transcendent perception）：「現象比現象更現象」。這還包括黑格爾，他建立了一個美的理論，崇高只是在美的種類的結構的底部。在這點上，紐曼贊同博克（Burke），因為博克堅持一個美和崇高的區分，這個區分影響了超現實主義。

紐曼在哥特藝術…

二、「崇高即現在」

「呈現不可呈現」是利奧塔對康德崇高感解讀的最精短的概括。這個「呈現不可呈現」的基礎恰恰是時間（瞬間）的本身，或者是呈現（present）本身。我們看到，呈現一詞…

我們可以說，抽象表現主義是猶太資源對西方視覺中心主義的表象暴力的批判。利奧塔在後期以抽象表現主義的「表象不可表象」批判了技術-圖像時代的視覺暴力。對於紐曼的精神實質，利奧塔評價道：這是一種希伯來的受難的模式——在生存和沒有發生的意義之間妥協。它回應被遺棄的問題不是「知道為什麼」，而是「存在（be）」，是「它發生著嗎」。利奧塔對紐曼在羅斯科教堂水池中的雕塑的評論再次肯定了紐曼崇高的風格與希伯來的受難精神的聯系：「倒轉的紀念碑的頂尖觸到了金字塔的頂部，『就像』上帝的手指在西斯庭教堂的頂部觸及了亞當的手指。這個作品在瞬間升起，但瞬間的閃爍擊中了它，就像一個最小的命令：Be」。 4…

一、崇高與抽象表現主義

盡管抽象表現主義已經過去了將近半個世紀，但關於這個複雜的流派一直缺乏某種有說服力的理論闡釋。不僅對於公眾來說，抽象表現主義的欣賞和接受是困難的，即使對於藝術史和評論界，抽象主義的價值和意義所在也是含糊不清，而在抽象表現主義畫派的畫家內部，也存在不同的風格和觀念。抽象表現主義大致誕生於1943年，終結於二十世紀60年代。從它誕生之日開始，它就一直伴隨著冷戰期間美國文化與意識形態在本土文化身份確認中帶來的強烈焦慮感。這是抽象表現主義一直遭到普遍誤解的地方。畢竟，抽象表現主義帶給了美國現代藝術的第一份世界性的榮耀，這也是這個流派的理論締造者格林·伯格的主要目標，它成為公眾對這個流派接受的起點和可能性。…

丹納的美學研究藝術與種族、環境、時代之間的作用與影響，被普列漢諾夫稱為「社會學美學」。總的來說，他通過《藝術哲學》一書建立了一個完整的藝術理論系統，開創了法國19世紀的歷史文化學派，對藝術批評學、美學和現實主義藝術都產生了深遠影響。盡管他的理論有著一定的局限，但是他提出關於表現「特徵」的藝術本質、強調科學實證的藝術研究方法論都有著巨大的進步意義，而社會文化環境對藝術的影響，仍然是當今美學與藝術研究值得深入的領域之一。

黑格爾在19世紀提出了「藝術的終結」，認為「藝術的形式已不復是心靈的最高需要了」，藝術「已喪失了真正的真實和生命，已不復能維持它從前的在現實中的必需和崇高的地位，毋寧說，它已轉到我們的觀念世界里去了。」…

在藝術批評方面，丹納采用的標准與取向似乎總是處於矛盾之中。

在美學取向上，他強調文學藝術應當為時代的中心人物服務，表現時人的本來面目；但是在道德取向上，他又幾乎偏激地推崇完美的形象，因此他極力貶低寫實主義和喜劇寫作，因為他們描寫的典型「一般狹窄，平凡，愚蠢，自私，懦弱，庸俗」。他意識到莎士比亞等偉大作家「最洞達人情」，「把人性的重要特徵、原始力量、深藏的底蘊，表現得比別的作品更透徹……讀了為之驚心動魄，好比參透事物的秘密，窺見了控制心靈，社會與歷史的規律」；可是「留在心中的印象很不舒服」，故事太過慘烈，而人物形象又是「堅強而不健全，精神不平衡」的，因此他們的作品也算不上的頂級。「我們要求看到一些發育更健全，性格更高尚的人物。」…

丹納的《藝術哲學》是運用實證主義分析藝術史的著作，因此其中談論到的造型藝術主要在17世紀及以前。這和丹納藝術史學家的身份有關，也奠定了他在19世紀法國藝術批評界藝術社會學一派中的地位。

19世紀法國藝術批評界得益於畫壇的百花齊放，也呈現出一派欣欣向榮的畫面。雖然德國的唯心主義美學傳播到法國以後失去了批評的活力，但是法國的藝術批評仍然有著其他各種各樣的靈感支撐。其中，文獻學家和考古學家在藝術批評方面做出了貢獻，他們依據藝術作品中的內容、技巧和風格對藝術進行分類和分析。但是文獻學家們「幾乎總是缺少對於藝術的思考」，「文獻學所推重的分析精神，使得他們的藝術史著作看起來像是把藝術作品加以排隊和分類的寫出來的博物館」，因此往往只有「百科全書」式的藝術史，未能得出對藝術的歷史性復原或是批評性判斷，這在19世紀下半頁實證主義的流行期間尤為突出。…

考察完藝術表現的內容，就要考察藝術的表現力，藝術的表現力即是表達效果的集中程度，也就是說，藝術所表達的特徵不僅要有最高的價值，還要在藝術中佔有支配地位。文學作品的人物、內容和形式，都要為表現特徵服務；造型藝術中的色彩、線條、風格，也要竭力配合表現的特徵。作品所感染所表現的特徵越居於普遍的，支配一切的地位，作品越美，因此，所謂傑作就是「最大的力量發揮最充分的作品」。

簡而言之，在縱向的維度看，能經得起時間考驗的藝術就是傑作。…

此外，藝術批評家在進行藝術評價的時候，不應帶有個人趣味、傾向和利益關係，他必須全身心地感受作品，並且設身處地地思考，設想藝術品所屬的時代社會環境，進入那個時代和地區的文化語境，考察和理解藝術家的思想，獲取和藝術家相通的觀點，再進行評價。唯有這樣才能贊成或反對一個藝術家，指出作品的優點或缺點、進步或落後。

在確保了藝術批評的合法性與方法論以後，丹納再次面向藝術品，提出藝術評價的標准。藝術即是藝術家對事物特徵的表達，要像評價藝術就要評價藝術表達的特徵，以及藝術的表現力。

藝術價值等同於特徵的價值，表現的特徵越重要，藝術的地位越高。

一方面，特徵的重要程度取決於它對抗毀滅的能力。…

丹納所說的「精神氣候」有三個主要元素：環境、種族、時代。

「種族」是一個民族天生的傾向，猶太人精明、法國人浪漫，不同的民族有著不同的民族精神與特徵；「環境」包括物質上的地理環境、自然氣候，還有文化上的風俗習慣等；「時代」包括精神思想、社會體制與政治思想等。種族是「內部動力」，決定藝術的本質；環境是「外部壓力」，給予前進的動力；時代是「後天動量」，限定了發展的方向，三種元素同時作用，便形成了藝術的興衰流變。…

這里的論述讓人很自然地想起柏拉圖和亞里士多德的美學思想。柏拉圖的「模仿說」認為藝術是虛幻的，是對現實世界的模仿，是與理念隔了三層；亞里士多德的「再現說」認為藝術是真實的，因為藝術再現了事物的普遍性，比現實事物更加真實。丹納的思想綜合了柏拉圖和亞里士多德的學說並走得更遠，他認為藝術確實是對現實的模仿，但又不是對眼前事物機械模仿，它要模仿和捕捉的是現實事物的「結構、組織與配合」，是「各部分之間的關係與相互依賴」，這種「特徵」有著抽象性，但是與柏拉圖的「理念」不同，它不是純理性的「理式」、不存在於另外一個世界。…

丹納在《藝術哲學》中試圖建立一種科學的文學藝術批評，這個目標可以說是繼承了聖勃夫（法语：Charles-Augustin Sainte-Beuve，1804—1869）的文學批評思想。

聖勃夫也是法國19世紀的科學主義代表人物之一，他的文學批評核心是要建立一種科學的批評，「這種科學的批評不滿足於一般地談論作品 , 它有一個遠大的目標 , 期冀像生物學發現動植物分類和變化規律一樣 , 發現人類社會的『精神家族』及其演化和嬗變的規律。」為了達成這個目標，聖勃夫主張在批評的時候必須拋棄那些「模糊的概念和空洞的字眼」，要面向事實進行準確的評論，這里的「事實」不僅包括文學作品，還包括作家本人，批評家必須要「不懈地觀察、研究並掌握各有所長的不同作品的條件, 以及天才形式的無窮變化的條件」,…

（原作者：東京鐵T；原載：https://book.douban.com）https://book.douban.com/review/15395646/

《藝術哲學》是十九世紀法國史學家、文藝批評家丹納在巴黎美術學校的課堂演講稿輯錄。在書中他提出了兩個重要的美學思想——藝術的發生論：藝術像植物一樣萌發並生長於適合自己的「精神土壤」，即環境、種族、時代「三元素論」；藝術的評價標准：藝術的價值與藝術表現對象的特徵直接相關，即「特徵說」。同時，他花費大半篇幅詳細論述了意大利文藝復興繪畫、尼德蘭繪畫和希臘雕塑，以印證他的觀點。…

在荒僻的高峰上、怪石嶙峋的山脊上、陡峭的險坡上，你們只看見強直的蒼松展開著慘綠色的大氅。那兒就與伏日山脈﹝法國東部﹞、蘇格蘭和挪威一樣，你們可穿過多少裡的松林，頭上是默默無聲的圓蓋，腳下踏著軟綿綿的枯萎的松針，樹根頑強地盤踞在岩石中間；漫長的隆冬，狂風不斷，冰柱高懸，唯有這堅強耐苦的樹木巍然獨存。



所以氣候與自然形勢彷彿在各種樹木中作著「選擇」，只允許某一種樹木生存繁殖，而多多少少排斥其餘的。自然界的氣候起著清算與取消的作用，就是所謂「自然淘汰」。各種生物的起源與結構，現在就是用這個重要的規律解釋的；而且對於精神與物質、歷史學與動物學、植物學、才具與性格、草木與禽獸，這個規律都能適用。



二…

上面考察過藝術品的本質，現在需要研究產生藝術品的規律。我們一開始就可以說：「作品的產生取決於時代精神和周圍的風俗」；我以前曾經向你們提出這規律，現在要加以證明。…

最終，我們在十分可笑的情況下體會到了作為人的羞恥：在庸俗的思想前面，在看綜藝節目時，在聽首長致詞時，在「享受生活」的論調面前。這就是哲學最有力的動機之一，這也就是為什麼哲學必然是政治的哲學。在資本主義中，只有一樣東西是普遍的，那就是市場。普遍的國家並不存在，因為在一個普遍的市場中，一個國家只是其中的某一個據點或者交易場所。然而，市場並不具備調和的能力，它只會使富有的更加富有，窮困的更加窮困。



人類的權利成為資本主義的一部份，但我們並沒能感受到其中的「樂趣」。在這個不斷制造人類貧困的機器面前，沒有哪個民主國家是不妥協的。我們感到羞恥，這是因為我們找不到任何可靠的方法來保存生成，更不要說提升它了（也包括提升我們自身的生成）。因為我們今天面臨一場經濟戰，這場戰爭使我們放棄了羞恥心，同時，這種經濟模式意味著欲望和情感的異化，戰爭的「裝備」由市場主導：如今，市場是社會操控的工具。…

以上內容是我在《愛比米修斯的錯失》[14]一書中試圖探討的問題。只有在闡釋(interprétation)或者說判斷（judgement）存在的前提下，即krinein，由技術（因為技術是武器）引發的戰爭才有可能轉化成和平的政治斗爭，這也就是說法律（droit）的框架賦予我們權利（在法語中，droit既有法律的意思，又有權利的意思）。

我在《迷失方向》[15]一書中就仔細地討論過，所謂「我們」這個概念的構建條件——是如何存在於記憶術中的。記憶術是一門特殊的技術，它使得法律能夠被准確地書寫下來，成為法律條文， 並打開我們——作為res publica的我們——的公共空間。而赫爾墨斯就是掌管這門技術的神靈，我把這門技術稱作「（我們）共同記憶的文字綜合」，（la synthèse littérale de la mémoire du…