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Comment by Zenkov 2 hours ago

5 The Photography Situation

As a non-permanent art form bodypainting presents the team members with the problem that their works cannot be stored, traded, or presented over a longer period of time. Unlike paintings, onecannot sell or exhibit bodypaintings. They only exist in the context of the situation for which they were created. Yet, the fact that art cannot have its effect without a certain context is easy to overlook: "However it would be a great mistake to move from that position to one in which it is argued that the only way art can be appreciated is on the basis of form alone untrammeled by art history or free from the knowledge and expertise of the creator […] Except in certain experimental situations, curatorial experience about the works and their significance has always been vital "[47].

No matter for which purpose it is painted, taking pictures is almost always an integral part of the painting. At festivals, "once complete, the model poses for photos or, if he or she is acting in a film, will complete their scene "[48]. Commonly, extra sets and lamps are installed so that the paintings can be photographed in the best possible way. Photo tickets at the World Bodypainting Festival, therefore, cost extra. Photographing the works also plays a central role outside of festivals: painters who practice can record their progress and create a chronicle of their paintings. Often bodypaintings are explicitly done for the camera, as it offers exciting and diverse motifs to people who are into staged photography.

Comment by Zenkov 2 hours ago

The intention to photograph or to have the painting photographed already influences its creation. If the photoshoot is the main reason for the painting, the paintings are often created differently than for competitions. It is less about showing mastery and thus optimally using flat surfaces such as the back, but rather about designing the body as good as possible for the camera. Posing options and light settings are also considered: if the model is to be photographed from the front, elaborate back paintings make no sense. If the light is to be set from high up or to the side, shadow casts must be considered. "Even as a painter, you have to learn to understand the possibilities of photography in order to create paintings that can be photographed well. "(Peter)

When bodypaintings are photographed, a staging takes place, just like in a normal fashion or portrait shoot. The photographic stage in the narrower sense sees the two-dimensional picture as the "defined objective "[49]. However, my experience and other studies [50] have shown that for many people, the image result is not the most or the only important goal of photography: Mindfulness plays a role when taking pictures [51], as does the joyful feeling of being active and being truly involved in something, which has been characterized as "flow" [52]. The opportunity to collect new experiences through photography also plays a role, as does the expression of creativity, which is associated with empowerment and personal development [53] and can lead to pride, self-esteem, and mental health [54].

Just as the painting situation, the photography situation is characterized by communication, the model and the painter must articulate their ideas. Personal information is often communicated here – not surprising, since portraiture is considered to be closely interwoven with the person portrayed [55]. As with bodypainting, there is also a close connection to identity. Through bodypainting, the person has become something else and poses as such in front of the camera. The posings and movements are adapted to this new being. "When I'm fully painted, I am different, I behave differently. Funnily enough, this seems natural to me." (Jenny) So bodypainting and photography enter into a symbiosis and resemble each other in some aspects with regard to the model. Consequently, the assumption is that the effects can be intensified.

[47] H. Morphy, “Moving the body painting into the art gallery – knowing about and appreciating works of Aboriginal art,” Journal of Art Historiography, vol. 4, pp. 1-20, 2011, 17.
[48] M. DeMello, Inked. Tattoos and Body Art around the World. Volume 1: A-L. Santa Barbara, Denver and Oxford: ABC-CLIO, 2014, 67.
[49] M. Weiss, “Was ist ‚inszenierte Fotografie‘? Eine Begriffsbestimmung.“ In: Lars Blunk: Die Fotografische Wirklichkeit. Inszenierung. Fiktion. Narration. Bielefeld: Transcript, pp. 37–52, 2010, 50.
[50] M.T. Jerrentrup, “Kein Fokus auf das Foto. Fotografieren als Aktivität“,kommunikation@ gesellschaft 21, 2020.
[51] Eberle, Thomas, Fotografie und Gesellschaft. Phänomenologische und
wissenssoziologische Perspektiven. Bielefeld: transcript, pp. 11-72, 2017.
[52] Fischer and Wiswede, Grundlagen der Sozialpsychologie. München: Oldenbourg, 2009, 100
[53] C. Mundt, “Neurobiologische Aspekte kreativer Therapie“, in: R. Hampe, P. Martius, D. Ritschl, F. von Spreti and P. B. Stadler: KunstReiz. Neurobiologische Aspekte künstlerischer
Therapien. Berlin: Frank & Timme, pp. 91–104, 2009, 97.
[54] M. Schuster, Alltagskreativität. Wiesbaden. Springer, 2015, 50.
[55] R. Barthes, Die helle Kammer. Bemerkungen zur Photographie. Stuttgart: Suhrkamp. 1989, 89.

Comment by Zenkov 13 hours ago

6.A Canvas in a Photograph

A two-dimensional image becomes something three-dimensional on the body and then, through photography, again, something two-dimensional. In the process, the living canvases "change the contextual interpretations of the original painted images in integral ways" [56] and so does the photograph. In addition to bodypainting, photography also offers a new experience of oneself, comparable to the mirror experience.

"It gives me the opportunity to see myself from an outside perspective without judgment, which often appears whilst looking into the mirror "(Lucy)

"I am in the photo, but somehow it's not myself. "(Alisa)

Due to the lack of similarity, it is easier to appreciate the pictures as works without immediately bringing one's person into play, to look at them detached from oneself. When looking at the process, there is an absolute dichotomy, as, on the one hand, the body is in focus, on the other hand, it is overcome in two ways: to become a "living canvas ", the model has to endure the process of getting painted – this can be emotionally and physically challenging. In addition, the model is transformed into something else. The painting "transforms the wearer into a (temporary) work of art "[57].

[56] E. K. Katic, “The Living Canvas: Bodies that Serve and Simulate art, “ The American Journal of Semiotics, vol. 25, no. 1/2, pp. 77-101,2009, 77.

Comment by Zenkov 18 hours ago

Although this is sometimes the case with ordinary photoshoots as well, it is usually much more present in bodypainting due to the greater difference. This becomes particularly clear when the painted model represents something non-human or even abstract.

"It feels like I can be anything, literally anything. "(Leonie).

"When I look at the pictures, I can barely recognise my body, yet I feel a strong connection to the photograph, as important and vivid memories are linked to it. "(Laura) [57]

Bodypainting has become a second-level work of art through photography: the painting is an artwork already, and together with the photographic process, it becomes yet another kind of art also.

Almost all models confirm that they experience it as an uplifting feeling to perceive themselves as art. Photography manages to detach the painting from its context and make it durable.

Furthermore, the resulting picture hides a lot: photographs are taken in front of a background paper or in a set, maybe even lights are mounted - in most cases, however, the result shows something that does not fully correspond to the memory of the shoot. This is already the case because one cannot perceive oneself "in real life "from the outside, but it is reinforced by the fact that the photographic result is based on staging and is probably retouched.

This way, the model has the chance to merge into the painting and the resulting photograph and leave her body behind, to identify with something that at first glance has a lot to do with her body.

Still, at second glance, it makes the actual body secondary. She can enjoy the artwork without necessarily relating it to her body, but understanding it as teamwork between herself – her physical and psychological qualities – the painter, and the photograph: the body as canvas as picture as art.

The Body as Canvas as Picture: Body painting and Its Implications for The Model by Maja Tabea Jerrentrup, Ajeenkya DY Patil University of Pune, Pune, India & University of Trier, Trier, Germany. In: International Journal of Cultural and Art Studies (IJCAS) Vol. 04, No. 1, 2020 | 9 – 23

[57] M. DeMello, Inked. Tattoos and Body Art around the World. Volume 1: A-L. Santa Barbara, Denver and Oxford: ABC-CLIO, 2014, 63.

Comment by Zenkov on Friday

電影經典台詞：心靈捕手（Good Will Hunting）

《心靈捕手》（Good Will Hunting）是一部由格斯范桑特（Gus Van Sant）於1997年導演的電影，取景地點是馬薩諸塞州的波士頓。影片講述了一個名叫威爾杭汀 (Will Hunting，Matt Damon飾演)的麻省理工學院的清潔工的故事。威爾在數學方面有著過人天賦，卻是個叛逆的問題少年，在教授辛馬奎爾（William Robin飾演）和朋友查克（Ben Alfred）的幫助下，威爾最終把心靈打開，消除了人際隔閡，並找回了自我和愛情（女主角Minnie Driver）。

在《心靈捕手》（Good Will Hunting, 1997）中，辛恩·馬奎爾（Sean Maguire，由羅賓·威廉斯 Robin Williams 飾演）是威爾的心理治療師，他的對白常常帶著溫柔的犀利與人生智慧，除了你引用的那段極為著名的長篇獨白外，電影裡他還有一些非常值得一提的經典名句──以下整理幾句核心精華（中文翻譯為意譯）：

1.「這不是你的錯。」
It's not your fault.

這句是全片最觸動人心的一幕，辛恩一再重複對威爾說「這不是你的錯」，直到威爾情緒潰堤痛哭。這代表辛恩要他放下對自己出身的自責與憤怒，學會原諒自己，接受別人的愛。

2.「你不完美，她也不完美，但你們很適合彼此。」
You're not perfect, and let me save you the suspense: this girl you've met isn't perfect either. The question is whether you're perfect for each other.

辛恩談起自己亡妻的趣事，用來教威爾：愛情不是尋找完美的人，而是接受彼此的缺點，並願意相互扶持。

3.「小事才是最棒的回憶。」
People call these things imperfections, but they’re not. That’s the good stuff.

他說起妻子一些看似「缺陷」的小習慣（像會放響屁，有一回甚至在睡夢裏吵醒她自己），但那些才是他最懷念的細節──提醒威爾：真正的親密來自於接受與珍惜這些不完美。

4.「真正的親密，是把自己交給一個人。」
You’re not perfect, and you let someone into your life anyway.

這是辛恩對愛的定義──願意脆弱地敞開自己，才算真的在愛。

5.「你的人生不是預先寫好的劇本。」
You’re not your job. You’re not what you do for a living.

他提醒威爾不要被社會對「成功」的定義綁死，而要尋找自己真正想要的人生。

Comment by Zenkov on September 10, 2025 at 3:58pm

愛墾的梗：開AI玩笑

提詢者：你是不是很謙虛？
AI：還好還好。

提詢者：那你是不是很驕傲？
AI：還好還好。

提詢者：你这算什麽答案？
AI:我原来是給政客開發的系统

愛墾評註：

只要我們還能開AI玩笑，
就不怕AI勝過我們；

有一天AI倒回来開人類玩笑，
就當真要憂慮了。

Comment by Zenkov on September 6, 2025 at 7:46pm

同聲異曲的和平：兩岸三地「太平洋戰爭結束80週年」紀念活動的文化張力

前言：共同的時間節點，不同的語言

2025年，太平洋戰爭結束暨世界反法西斯戰爭勝利滿八十週年。這一歷史節點，不僅是全球共同紀念的時刻，更對中國大陸、香港與台灣而言，承載著複雜的歷史記憶與文化政治。在這個「和平80週年」的名義之下，三地紛紛舉行各種紀念與文創活動，看似共享同一主題，實則各自展現不同的語言與姿態。

從宏大的閱兵，到地方化的展覽，再到品牌聯名的紀念商品，這些活動不僅是文化表演，更是一種歷史敘事的再生產。更有意思的是，它們之間所呈現的，並非單純的共鳴，而是一種張力：彼此呼應，又彼此分歧。

 

一、大陸：宏大敘事中的「國家和平」

在中國大陸，紀念「抗戰勝利80週年」是國家級的重大事件。北京天安門廣場的大型紀念大會與閱兵式，展現了軍事現代化的成果，也凸顯中國在國際舞台上的角色。

1. 國家正統性的再確認

大陸將「抗日戰爭」視為民族存亡的轉捩點，也是中國共產黨領導正當性的歷史基礎。紀念活動中，領導人重申「中國人民在世界反法西斯戰爭中的貢獻」，同時呼籲維護世界和平，實則是在當下國際局勢中強化自身的話語權。

2. 文創展覽與科技再現

中國人民抗日戰爭紀念館推出沉浸式展覽，觀眾可透過數位技術「走進」戰火場景。影視與遊戲產業也推出相關作品，以大眾娛樂形式重現戰爭歷史。這是一種將「宏大敘事」轉化為「全民記憶」的文化策略。

在大陸的語境裡，「和平」並非單純的結束戰爭，而是一種由國家力量保障的秩序。

 

二、香港：雙重身份下的「協調和平」

作為中西文化交匯之地，香港的紀念活動展現了「雙重身份」的特質：既承接國家敘事，又不忘地方經驗。

1. 聯展與文物首展

香港歷史博物館與中國國家博物館合作推出「聯合抗戰展」，展出逾180件展品，其中不少為國家一級文物首次來港。這不僅是文化交流，更是一種政治符號，象徵香港在國家記憶版圖中的一環。

2. 地方記憶的呈現

展覽同時保留了香港自身的歷史經驗，如淪陷時期的日常生活與僑胞的抗爭故事。這些在地細節，讓觀眾感受到戰爭不只是宏觀的民族事件，也滲透到普通人的生命之中。

香港的「和平」敘事是一種協調的和平：在國家與地方之間尋找平衡，在宏大歷史與個體經驗之間搭橋。

Comment by Zenkov on September 4, 2025 at 9:17pm

三、台灣：生活化與文創化的「日常和平」

台灣的紀念方式，顯著不同於大陸的莊嚴或香港的折衷。這裡的「和平80週年」更傾向於文化生活化的表達。

公共藝術與城市展覽：台北市公共汽車站設置「終戰80週年」攝影展，將歷史照片帶進日常空間。台北國際會議中心舉辦紀念音樂會，信義區舉行嘉年華，將戰爭記憶轉化為市民參與的文化盛事。

品牌文創的融入：知名零食品牌「乖乖」推出限量包裝，設計結合戰爭符號，讓消費者在生活用品中「遇見」歷史。其他團隊則推出紀念T恤、桌遊與插畫展，把嚴肅的歷史轉化為青年易於接受的文化符號。

歷史論述的差異：值得注意的是，台灣官方多使用「終戰」而非「抗戰勝利」。這種用詞差異，顯示出台灣在歷史記憶上的特殊處境：既承繼中華民國的歷史，又與大陸的民族敘事拉開距離。

台灣的「和平」是一種日常的和平，它不強調勝利或抗爭，而是以生活化、文創化的方式來紀念。

四、和平之下的張力：同聲異曲的奧妙

語言的差異：大陸強調「抗戰勝利」，凸顯民族奮起；

台灣偏向「終戰」，突顯戰爭結束與和平到來；

香港則遊走於兩者之間，既呼應「民族勝利」，又強調「地方經驗」。

同一場戰爭，三種詞彙，反映出不同的身份政治與記憶重點。

政治修辭的差異：大陸用「硬實力」展示和平（閱兵、外交倡議）；台灣用「軟文化」詮釋和平（文創、嘉年華）；香港則以「雙重身份」協調和平（國家聯展 + 地方記憶）。和平是一個共同的口號，但卻帶有三種不同的政治修辭。

文化策略的差異：大陸：莊嚴而宏大；香港：折衷而協調；台灣：輕盈而生活化。這些差異，讓「和平」成為一種多義的文化符號。

 

結語：記憶的差異，共同的啟示

「和平80週年」紀念活動，表面上是共通的歷史時間點，實際上卻映射出兩岸三地各自的文化政治與身份認同。

大陸將和平視為國家力量與民族復興的保障；香港則在國家記憶與地方經驗之間尋求協調；台灣則透過文創與生活化實踐，將和平轉化為日常文化。

這些差異並不只是分歧，更是一種奧妙：它顯示記憶不是靜態的，而是隨著社會與政治環境持續被再造。和平既是凝聚的契機，也是差異的鏡子。

當我們在八十年後回望那段戰爭，不同的語言或許會彼此拉扯，但共同的啟示依然清晰：只有持續反思歷史，和平才不會淪為口號，而能成為真正的文化力量。

Comment by Zenkov on September 2, 2025 at 9:55pm

愛墾學術：身份的焦慮

在《身份的焦慮》（Status Anxiety，2004）中，阿蘭·德波頓（Alain de Botton）深入探討了現代人如何在尋求社會地位與他人認可的過程中，感受到焦慮與不安。這與我們在社群媒體上對留言、讚數、關注者數目的過度關注密切相關。德波頓的分析和建議提供了一些有力的視角，幫助我們面對這種「為虛幻的認可而受傷」的現象。

以下是他書中核心觀點與應對建議的整理：

1.現代社會中的地位焦慮本質

德波頓指出，地位焦慮（status anxiety）是現代人普遍的心理現象，因為我們所處的社會高度競爭、強調個人成就且缺乏固定階級制度，使每個人都認為自己可以「成功」，但也意味著失敗是「自己的錯」。

在社群媒體上，我們看到別人的成功、漂亮的生活照、事業成就，這些都可能觸發比較與焦慮，讓我們感覺自己不夠好或被忽視。

2.認可的來源與其幻象

德波頓指出，許多人的痛苦源於對「他人眼光」的依賴——我們渴望被重視、被喜歡。但這種認可是短暫的、變動的，而且往往來自我們根本不熟識或不了解的人（如社群媒體上的陌生人）。

建議：嘗試質疑這些認可的價值和來源。不是所有人的看法都值得我們在乎，尤其是那些不了解我們的人。

3.建立內在的價值標準

德波頓強調，要對抗地位焦慮，我們需要建立自己的價值系統，不再單靠外界的指標來衡量自我價值。哲學、藝術與宗教等傳統常被他引用為對抗社會價值壓力的方式。

建議：透過閱讀、反思與對話，發展一套屬於自己的「成功定義」和「價值指標」。問問自己：「我真正在乎的是什麼？」而不是：「大家都在乎什麼？」

4.學會幽默與自我解嘲

德波頓建議，我們可以用一種更幽默、距離感較強的方式來看待自己與這世界的荒謬性。他認為，幽默是一種智慧的防衛機制，能幫助我們不那麼嚴肅地看待社會評價。

建議：對於一些負面留言或失落時刻，不妨用幽默的方式看待它，提醒自己：這不代表全部的你。

5.仰望更深層的意義，而非膚淺的地位

德波頓在書中提醒我們，人生的意義並不等同於他人的認可。我們可以透過服務他人、創造美好事物、培養關係，來找到更深的滿足感。

建議：與其追逐即時的「讚」與「回應」，不如投入於更持久的創作、人際關係或內在成長中。

結語：面對社群媒體帶來的心理衝擊，阿蘭·德波頓的《身份的焦慮》提供了一個重要提醒：我們的價值不應建立在瞬間的掌聲上，而應來自深層的自我理解與內在信念。

如果你感到社群媒體對自我認同造成壓力，不妨停下來問自己：

「我是為了什麼而在發表、回應與比較？」

「我可以用什麼樣的態度，重掌自己對價值的定義權？」

這本書的核心訊息或許是：社會不會停止評價我們，但我們可以選擇不再完全依賴這些評價來定義自己。

Comment by Zenkov on August 7, 2025 at 6:13am

愛墾APP:Erik Erikson是德裔美國心理學家，他的《心理社會發展理論》（Psychosocial Development Theory）是理解人類一生心理發展過程的重要框架之一。此理論主張：人在一生中會經歷八個發展階段，每個階段都涉及一個核心的「心理社會衝突」，其解決方式將深刻影響個體的心理健康與人格特質。

第八階段：老年期（約 65 歲以上）

核心衝突：自我整合（Integrity） vs. 絕望（Despair）

這個階段是 Erikson 理論的最終章，重點是個體在回顧一生後，如何看待自己的人生歷程與存在價值。

1. 自我整合（Ego Integrity）

若老年人能夠接納自己的過去，包括成功與失敗，並認同自己的生命選擇，他們將發展出：

滿足與平靜：覺得人生雖有遺憾，但整體而言有價值、有意義。

接受死亡：不再畏懼死亡，因為人生「已經完成」。

智慧（Wisdom）：這是 Erikson 所說的老年期主要美德，是一種超越自我、面向人類經驗的理解與包容。

2. 絕望（Despair）

如果個體回顧一生時感到失望，認為自己未完成應做之事，或懊悔曾經的選擇而無法釋懷，則可能陷入：

懊悔與痛苦：對過去懷有深深的悔意，無法原諒自己。

焦慮與憤怒：對衰老與死亡產生強烈恐懼與拒絕。

孤立與憤世嫉俗：可能對年輕人、現代社會產生敵意，因為感覺自己被遺忘或取代。

舉例對照：

一位學者退休後，若能從過去的研究、教學與人際互動中看到其正面價值，即使不再參與第一線研究，也會感到安然，並樂於轉向顧問、寫回憶錄、指導後進等「智慧傳遞」的角色，這就是自我整合。

相反地，若某人因年老無法持續參與學術活動而感到無力、憤懣，甚至貶低其他持續參與者以抬高自身退出的選擇，則可能是絕望感的投射，是一種為內在失落找外部替罪羊的心理防衛。

這階段的核心挑戰總結為：

「我這一生有價值嗎？」
能誠實回答「有」，即是整合；若回答「沒有」，則傾向絕望。

根據心理學家 Erik H. Erikson 的心理社會發展理論，人類在生命晚期（約 65 歲以後）面臨的核心心理任務，是在「自我整合」（ego integrity）與「絕望」（despair）之間取得平衡。成功整合的人，能坦然面對自己的人生歷程，即使有遺憾，也能接受生命的有限性，發展出一種智慧與超越感。反之，若無法肯定過去的選擇與貢獻，則可能陷入後悔、焦慮與否定，最終走向絕望。這一階段的挑戰不只是個人的心理課題，也常在公共語言中投射為對他人選擇的評價與批判。

註腳格式（適用於學術文章、報導、報告底部註解）

Erik H. Erikson, The Life Cycle Completed (New York: W. W. Norton & Company, 1982).

延續閱讀：

我沒有退場
〈學術殿堂叙事（虚構個案）〉

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