陳明發《文化創意人都是故事人》

文化創意人都是故事人，要懂得說故事。

若文化創意要變成一門產業，它就不是一兩個人在玩的活動，而會牽涉到許多人。

來自不同背景的人，有不同想法，也有感受事物的不同方法，說故事是一個大家比較容易接受的途徑。

故事管理法現在企業中相當常見，它用來幫助企業同人溝通資訊、觀念和做法。

有些有心人開始在談，怎樣在跨學科之間用storytelling作為溝通、交流的工具。

創意領域的人如設計家，用平面或其他媒介的設計，很多人可能有些人可能只會看到“這個很美”，他可能感受不到它的意義、特色。

偏偏要把它執行出來，卻需要別的人的參與；人多事雜，不能沒有管理啦。

所以，說設計人會懂得管理，我說要包括“故事管理法”。

管理人都是communicator，故事幫忙我們用故事發揮communication 的功效，取得大家的觀念、感情與行動，往設計原有的涵義去轉化。

陳明發《文化·體驗·願望》

文化體驗帶來崇拜、喜愛、尊敬與欣賞等意向。這些感性需求可透過物質或符號消費而得到滿足。根據布爾迪厄的說法，教育活動作為一種生產過程，所生產出來的，即是對這些物質的或符號消費的願望。（見[法]布爾迪約等：《再生產：一種教育系統理論的要點》，邢克超譯，北京：商務印書館，2002年，第49頁。）（2.1.2021）

陳明發《文化·願望·再生産》

文化生產物質或符號的體驗；而教育等社會再生產過程，則延續生產（也就是：再生産）對那文化體驗的願望。文化生產盡管有符號、抽象、感性的要素，表面上，它一般民眾能理解、體會的事物；而作為支援、衍生著文化體驗的再生産原理，卻往往發生于人們的覺察之外，形塑着人們的潛意識。

布爾迪厄就提到了各個教育場域：“醫生、巫師、神父、預言家、傳道者、教師、精神病醫生或精神分析專家。”（布爾迪厄，《再生產》前言）見[法]布爾迪約等：《再生產：一種教育系統理論的要點》，邢克超譯，北京：商務印書館，2002年，第6頁。

陳明發《疫後永續發展的哲學基礎》

觀光及相關產業面對疫後的重建、振興，因為整個領域停頓了至今已15個月，所需的資源可說已面臨極限。借力經濟資本之外的來源，變得異常迫切。認識旅遊文化資本是個時宜的第一步，以持續地、永續地將之轉換成旅遊經濟資本和旅遊社會資本。要完成疫後重建與振興的任務，我們需要一套相對穩定而有效的哲學基礎。布爾迪厄的文化資本概念可以提供我們所需要的答案。（22.3.2021）

陳明發博士《文化資本存在形式》

根據特納的總結，布爾迪厄的文化資本所指的是: 那些非正式的人際交往技巧、習慣、態度、語言風格、教育素質、品位與生活方式。存在形式有三：

1 文化能力 (the ability of culture)：以精神和身體持久“性情”形成的具體狀態；

2 文化產品 (the product of culture) ：由書籍、圖片、工具、機器與詞典等文化商品形成的客觀狀態；具體顯現某種理論或其痕跡，包括對這些理論問題的批判；

3 文化制度 (the system of culture) ：以一種客觀化形式實現的體制狀態；就像正規教育保障著一個社會的日常操作一樣，文化制度庇護著這個社會的文化資本(參考:吳啟焰和王兆傑，2011，布爾迪厄的文化資本理論在旅遊規劃中的應用，《人文地理》2011年第1 期，總第117 期) )

（好萊塢電影《饑餓遊戲》劇照。電影是文化資本，因爲它受到版權等制度的保護；各種大大小小的文創實踐，包括文化傳播、電影教育、影展與消費文化等制度，使到參與者能從中獲益，這便是文化制度的初步解釋。Source：https://thecinemaholic.com）

陳明發《疫後新常態消費文化》

人類目前正處於什麼樣的生活狀態呢？美國哲學家詹明信的答案是：“晚期資本主義”社會，其最主要的特征就是“文化消費”；很大部分的交易，“為記號和影像所充斥”[註]。具體地說，即使日常最基本的衣食住行等消費，在選擇上都與原來的實際用途或功能似乎已無直接關系，反而受到看似抽象的感性元素的影響，而被個人品味、風格、見識、個性、審美、獨特與追求等“光環”所照耀。換句話說，我們生活的每個地方，都成了“文化標誌”（記號/影像）的場所。景點勝地與遊覽/休閑體驗，其設計如何與疫後生活新常態起來，不能忽略這“文化標誌”的消費動能。例如，訴求自然生態、家庭出遊、小眾情趣與靈性提升等文化產品。（13.4.2021）

[註]詹明信.晚期資本主義的文化邏輯[M].上海:三聯書店,1997.396-419.

                                         （家庭野外自然作画遊 Source：joyouslessons.blogspot.com）

吳啟焰  王兆傑：布爾迪厄的文化資本理論在旅遊規劃中的應用

提要：伴隨著後現代主義的到來，以符號和影像為主的消費文化成為了社會消費的主導。因此，旅遊業的發展與規劃既需要滿足消費需求，又要尊重消費文化。本文中我們試圖從布迪厄的文化資本理論的三個方面：文化能力、文化產品、文化制度的角度分析旅遊文化資本，希望以此推動旅遊文化資本在旅遊規劃中的運用。

1前言

“文化資本”這一概念最早是由法國社會學大師布迪厄（Pierre Bourdieu）提出的，他把資本劃分為三種類型，即經濟資本（economic capital）、社會資本（social capital）和文化資本（cultural capital）[1,2]。

文化資本是他對馬克思的資本理論,進行非經濟學解讀之後提出的一個重要概念。布迪厄指出，任何一個社會場所都有著隸屬於自己的正統文化，它是區分場所內各行動者,處於有利或不利地位的基本原則，是一種分類標準。通常文化資本,泛指任何與文化及文化活動有關的有形及無形資產。盡管我們無法像經濟資本那樣對其實行定量化操作，但它也發揮著和金錢與物質財富等經濟資本類似的作用。

誠然，作為一種非實體性概念，“文化資本”表述文化及文化產物的功能與效應，是一種間接價值。


本文中，我們將旅遊資本劃分為旅遊經濟資本、旅遊社會資本和旅遊文化資本三部分。其中，旅遊經濟資本屬於旅遊業中基礎性的資本類型，可直接轉換為金錢，這種轉換是以私有制產權的形式制度化的，包括旅遊資源、旅遊金融資本、旅遊自然資本等；旅遊社會資本由社會義務體系所構成，在一定條件下，也可轉換成經濟資本，這種轉換是以價值觀的形式制度化的，包括旅遊企業內部及旅遊企業與政府或其它行業之間的，有助於企業獲取重要信息和各種資源的社會關係網絡。在本文中我們將重點考察旅遊文化資本。

特納將布迪厄的文化資本總結為：那些非正式的人際交往技巧、習慣、態度、語言風格、教育素質、品位與生活方式[3]。其具有文化能力（the ability of culture）、文化產品（the product of culture）和文化制度（the system of culture）三種存在形式[4]。


文化能力是指具體的狀態，以精神和身體的持久“性情”的形式；文化產品是指客觀的狀態，以文化商品的形式（書籍、圖片、工具、機器、詞典等），這些商品是理論留下的痕跡或理論的具體顯現，或是對這些理論問題的批判；而文化制度是指體制的狀態，以一種客觀化的形式，這一形式必須被區別對待（就像我們在教育資格中觀察到的那樣），因為這種形式賦予文化資本一種完全原始性的財產，而文化資本正是受到了這筆財產的庇護。

經濟全球化的浪潮、咨詢媒體的普遍化,使得廣大發展中國家的開放化城市生活普遍進入消費時代的文化。後現代主義所帶來的消費文化的轉變中，消費、玩樂、娛樂成為生活方式的中心，從而使記號與影像充斥整個社會。

正如詹明信所言，文化正是“消費社會本身的要素；沒有任何其它社會像這個社會這樣，為記號和影像所充斥”[5]。平凡與日常的消費品，與奢侈、奇異、美、浪漫日益聯系在一起，而它們原來的用途或功能則越來越難以解碼。這就意味著我們生活的每個地方，都處在對現實的“審美”光環之下。

這就是後現代的消費文化，在這樣的文化中，一切價值都被重新評估，藝術已贏得了超越現實的勝利。“旅遊者所凝視”的對象,來自於旅遊文化資本的表現，旅遊文化資本作為更加鮮活的記號和影像,塑造出一種具有美的價值的消費品，這樣的消費品滿足了後現代主義的消費追求。

為此，筆者將在後文中從布迪厄的文化資本所劃分的文化能力、文化產品、文化制度這三種存在形式,來契合地分析旅遊文化資本，希望從中可以考察到相同點，並研究旅遊文化資本在旅遊規劃中的應用，通過旅遊文化資本各種形式在旅遊規劃過程的應用可以深化、凝化旅遊規劃制定和實施這一應用過程中的哲學透視，並將這一理念貫穿始終成為把握旅遊規劃的方向。在研究旅遊文化資本在旅遊規劃應用的過程中，進一步明確旅遊規劃與發展的重點和方向，完善旅遊規劃過程中存在的問題，加強旅遊規劃的文化宗旨性。這樣才能夠將有限的旅遊文化資本可持續地轉換成旅遊經濟資本和旅遊社會資本。（全文）（吳啟焰和王兆傑，2011，布爾迪厄的文化資本理論在旅遊規劃中的應用，《人文地理》2011年第1 期，總第117 期））

布爾迪厄·文化貴族

文化貴族的定義是一場斗爭的賭注……佔統治地位的合法佔有文化和藝術作品的方式的定義，甚至在學校領域，都有利於那些有教養家庭裡的人，他們很早就在學校教育科目之外接觸到合法文化；其實，這個定義為了贊揚直接的經驗和單純的愉悅，將知識和博學的闡釋貶低為「書呆子的」，甚至是「賣弄學問的」。—— 引自第2頁

在社會空間結構裡的每一個人，都會依其自己主觀習得的標準對人進行分類，而且每次都是暫時地以不同分類標準再不斷進行著。那麼，如果以某種科學的方法（如統計法），或以社會經驗凝聚的「刻板印象」（如門當戶對的匹配）加以分析，將大家的對人分類方式收集起來，我們可以獲得一個社會在某一個時間點上，對人分類客觀化的結果。

諸如職業雖然某種社會道德要我們知道「職業無貴賤」，但這恰恰最能說明人們最常以職業作為第一個主要分類的方式。各種職業中，有些社會評價較高，如醫生或企業主管的CEO等。不管哪種社會大致都會分成「人上人」的有閒階级和「死老百姓」的一般人這兩類。

而隨著社會的分工越細就會有越多的所謂中間的中產階殺。嚴格來說，沒有所謂的「中產階級」, 因為他們是一批永遠意圖想要成為上層階級，卻在實際上爬不上去或被既有上層菁英排斥，但又不甘於自認向下沉淪與大眾階級為伍。於是他們永港還處在上不去，卻不願下來的尴尬位置，所開「有為青年」是也。

在文化上或生活風格的消费上會追求上層菁英文化擁有的文化產品，以支配階級的上流文化（culture legitime）馬首是瞻，也藉此擺脱大眾階极的粗俗文化，但實傺上的收入卻不見得比黑手，水電工或工頭領班多。

當然随著中產階殺人口日益状大，為他們設計的文化產品也越來越成為市場的主流，從十九世紀中期後的言情小說，偵探小說或歷史小說等，到二十世紀以波普的藝術民主化（就高极藝術普及化而言），中產階級不但有其自己的文化，更能反嗆將原本低俗或甚至通俗的文化物件變成市場可熱的商品（諸如十九世紀的鄉村風格到二十一世紀的「台客」或文創均屬之）。

階級的分類系統，除了是對人的社會分類外，也是針對物件或活動實踐的社會分類，亦即所有具有社會價值的事與物。 這也就是布赫迪厄對品味的最經典也最醚樣的注腳：被結構的結構會再結構化（structure structuree structurant），被分類的類别會主動去分類別人（classe classee classant）。

透過社會生存條件的制約而養成的慣習，上述被結構的結構（或被分類的類别）的對人、事，物的認知與欣賞系統的社會分類，會以文化產品、文化實踐的偏好選擇或者品味判斷的形式，再結構化（或主動分類）所遭遇的人事物。（引自台灣版 導讀邱德亮）

（摘自：布爾迪厄的《區分副標題: 判斷力的社會批判》（Distinction）; 副標題: A Social Critique of the Judgement of Taste; 作者: Pierre Bourdieu 皮埃爾·布爾迪厄（Pierre Bourdieu [1930年-2002年]；出版年: 2010-04-23；出版社: Routledge；頁數: 640；中文版譯者: 劉暉；出版社: 商務印書館；出版年: 2015-10頁數: 943）

[文化神聖性]

對自然的享樂的否定，如是構成了文化的神聖性，並包含著對某些人的優越性的肯定，這些人懂得滿足於升華的、精致的、無關利害的、無償的、優雅的快樂，而這些快樂從來都是禁止普通門外漢享受的。這就使得藝術和藝術消費預先傾向於滿足一種使社會差別合法化的社會功能，無論人們願不願意，無論人們知不知道。 —— 引自章節：導言

[品味區隔]

品味是一種形成「區隔」的手段，是身份的表達。不同的地位和階級群體，通過不同的消費模式所表現出來的品味，相互區分開來。人們更多地通過消費活動過程中所蘊涵的文化風格，來表達自己的社會身份體現出同一群體的「品味」，並與其他社會階層保持距離。 —— 引自章節：第一部分 品味判斷的社會批判

（摘自：布爾迪厄的《區分副標題: 判斷力的社會批判》（Distinction）; 副標題: A Social Critique of the Judgement of Taste; 作者: Pierre Bourdieu 皮埃爾·布爾迪厄（Pierre Bourdieu [1930年-2002年]；出版年: 2010-04-23；出版社: Routledge；頁數: 640；中文版譯者: 劉暉；出版社: 商務印書館；出版年: 2015-10頁數: 943）

爱垦網·高阶创造力挑战机械人系列：弗洛姆 To Have or To Be

弗洛姆（Erich Fromm）在其著作《占有还是存在》（To Have or To Be）中，区分了“to have”和“to be”这两种生命形态。“to have”代表占有、控制和消费的存在方式，而“to be”则代表体验、行动和成为的存在方式。这种对“存在”的强调，指向了人类通过自我实现、创造性表达和与他人、世界的连接来达到的更高境界。

与此相对，德勒兹（Gilles Deleuze）与加塔里（Félix Guattari）在他们的哲学中则提出了“becoming”（生成）这一概念。德勒兹的“becoming”并非一个固定的状态，而是一种持续的、流动的、不断变动的过程。这种生成超越了传统的“存在”，更关注变化和生成的力量，以及多样性和差异的创造。它强调世界和个体的流动性、多重性以及身份的开放性。

两者之间的联系在于，它们都拒绝将人类存在局限于固定、静态的状态。弗洛姆的“to be”强调通过体验和存在去超越物质的占有，而德勒兹的“becoming”则进一步将这一思想推向极致，强调变化、过程和不断的转化。在某种程度上，德勒兹的“becoming”可以被视为对弗洛姆“to be”概念的一种扩展或深化，特别是在身份和存在的流动性上。

因此，弗洛姆的“to be”和德勒兹的“becoming”都在反对僵化的占有或固定身份，尽管二者关注的角度不同，前者更强调内在的自我实现，后者则聚焦于变化和生成的持续动态过程。

弗洛姆和德勒兹的思想，也和荣格（Carl Jung）有些交集。

弗洛姆受到精神分析的影响，特别是弗洛伊德和荣格的思想。两者在探讨人类本质和自我实现方面有相似之处：

个体化过程（Individuation）：荣格提出的“个体化过程”与弗洛姆的“to be”有相似性。个体化是指个体通过自我探索与内在对话，实现自我完整和成熟。这与弗洛姆所提倡的“to be”状态——通过体验、行动和创造性表达来达到自我实现——有共同点。两者都强调自我与世界的深层连接，超越单纯的物质占有。

自我与集体无意识：荣格通过集体无意识的概念揭示了人类共有的心理结构，这种深层的心理图式引导着个体的内心发展和超越性成长。弗洛姆在“to be”的思想中也探讨了个体与社会、文化的关系，二者都关注个体如何通过与外部世界的互动达到更高的存在层次。

荣格的某些概念，特别是他对原型（archetypes）和集体无意识的探讨，与德勒兹的生成哲学也有潜在的相似性：

生成与原型的转化：德勒兹的“becoming”强调不断变化的流动状态，而荣格的原型概念也具有某种动态性。原型并不是固定的，而是通过个体的心理发展过程不断表现和再现的结构。在这一点上，荣格与德勒兹对变化与生成的关注有相通之处。荣格的原型在个体发展中的不断“生成”可以与德勒兹的“becoming”相对照，它们都涉及一种超越静态身份的动态演变。

荣格的多重性与德勒兹的多样性：德勒兹的哲学强调多样性和差异，而荣格通过探讨个体的多重性，特别是人格的多层次性（如自我、阴影、阿尼玛/阿尼姆斯等），展现了类似的思路。荣格认为个体要通过与这些不同心理侧面的整合来实现自我，而德勒兹则强调多样性和差异的存在是世界的本质。

荣格与德勒兹、弗洛姆都关心人类存在的深层次意义

象征与生成：荣格特别强调象征在人类心理中的作用，象征是个体与集体无意识连接的桥梁。这种象征可以引导个体的心理成长，与德勒兹的“生成”概念中不断变化的形态与状态有某种相似性，都是关注非固定的意义生成过程。

自我超越与创造性：荣格强调自我超越和个体化的创造性，这与德勒兹的创造性生成思维相契合。二者都认为，通过不断的变化、探索和整合，个体才能达到更高的心理和存在状态。

尽管荣格、弗洛姆和德勒兹来自不同的心理学和哲学传统，但他们的思想都反对固定和僵化的身份，强调变化、生成、个体发展和自我实现的动态过程。荣格的个体化、原型和集体无意识概念，与弗洛姆的“to be”状态以及德勒兹的“becoming”有一定的理论共鸣，都聚焦于超越表面的物质存在，追求更深层次的自我探索与动态的生成。

相关：感觉建构非肉身公式

爱垦網·高阶创造力挑战机械人系列：德勒兹的“身体”概念

德勒兹的“身体”概念不仅包括人类的身体，还涵盖了动物的身体、大地的身体、大自然的身体等。这种广义的身体观超越了有机体的限制，强调了各种物质形式、力量场域和自然现象在不断的生成和变化中的相互作用。

动物的身体：德勒兹对“动物的身体”的理解，延续了他对身体是力量与物质交织的观点。在他的哲学中，动物与人类一样，拥有自身的力场，它们的行动、欲望、感知和运动构成了一种与周围环境相互作用的动态关系。动物的身体不仅仅是生理层面的，也是情感、感知和与世界互动的力量汇聚体。

例如，德勒兹借用斯宾诺莎的观点，探讨了人类与动物之间没有本质上的区别，都是力量流动的表现形式。动物在环境中不仅是反应性存在，它们通过感知、行动表达了与环境的独特联系，展现了非人类主体如何与外部力量互动，形成生成过程的一部分。

大地的身体：“大地的身体”体现了德勒兹对物质与力的广义理解。大地作为一种物质存在，它承载了无数的力量关系，如自然资源的流动、地质变化、生态系统的平衡等。德勒兹会将大地视作力量的巨大汇聚场，是生命生成的基础和力量的动态表现。

例如，地震、火山喷发、山脉的形成等地质现象，都是大地作为力量场运作的具体表现。大地并非静态的，而是一个持续生成的、具有内在力量的“身体”。在德勒兹的框架中，大地与人的身体、动物的身体一样，处在一种力量的流动和生成的状态中，是一个开放的、不断变化的场域。

大自然的身体：“大自然的身体”概念则更加广泛，它包括了生态系统、气候现象、天气变化等所有自然界的力量互动。大自然的身体由多种力量构成，如风、雨、光、热等，它们之间的交互作用形成了自然界的动态秩序和持续的生命生成。

德勒兹在谈论自然现象时，特别重视它们作为力量场的运作。例如，风暴、洋流、森林生态的变化等，都是大自然的力量通过不同形式表现出来。自然界并不是一个静止的背景，而是充满了力量和能量的动态场域，这与德勒兹“无器官身体”的概念契合，即一种无特定功能性、但充满生成力的存在方式。

身体与生成：德勒兹认为，所有这些“身体”——无论是动物、大地还是大自然——都不是固定的，而是处在不断生成的过程之中。生成（becoming）是德勒兹哲学中的核心概念，意味着一切存在都在不断的变化、转化中。身体的存在本质上是流动的，是力量之间的相互作用，它们不断被重新塑造和生成。

例如，河流与山脉、森林与海洋，这些自然元素之间的力量互动形成了新的自然景观。德勒兹的“身体”理论试图打破传统的有机/无机、活的/死的、动的/静的二元对立，展现了力量的交织如何创造新的形式和存在。

“感觉-被感觉”的影响
感觉者和被感觉物
情动地方志
情感素：非人稱力量
德勒兹时间观
弗洛姆 To Have or To Be
德勒兹经营地方感
感觉建构非肉身公式
感性转折 vs 混融哲学

爱垦網·对世界的視野

根据“情感转向”（affective turn）的理论，采用样态（mode）的方式来看待人、文创造物、动物或景观，而不是用实体（substance）或主体（subject）的视角，会改变我们对世界的理解和感知方式。首先，它打破传统的固定性、静态性和中心化的思维方式。而看到世界是一个流动的、不断生成的过程，事物、情感、关系、体验都是在变化中产生的。它带来了一种更加开放、灵活和多维度的视野，让我们能够更深入地理解人与人、人与物、人与自然之间的互动与情感关联。

流动与关系的视角

当我们以样态（mode）来看待世界时，我们不再把事物看作固定不变的实体，而是看作动态的、在特定时空关系中变化的现象。这种视角强调了——

变化性与过程：人、物、景观等都是在不断生成、变化的过程中。它们的存在不是静止的，而是随着时间、空间和情感的互动而不断演化。这符合德勒兹关于生成（becoming）的概念，世界是由无数流动的关系构成的，而不是由独立的主体或实体组成。

关系性：样态视角意味着我们会更注重事物之间的关系和互动，而不是孤立的个体。一个人、一件文创造物、一只动物或一个景观，其意义和影响力是在与周围的事物和情感场域中生成的。这种强调关系的视角，让我们更加关注事物之间的互相作用和相互影响，而不是事物本身的固定属性。

去中心化

从实体或主体的视角出发，通常会将某一事物或某一主体置于中心，例如个体自我或作品的创作者。在这种视角下，我们会更多地关注主体的意图、身份或内在属性。然而，样态视角去除了这种中心化的倾向——

去主体化：世界不再以一个固定的主体为中心（如人类或作者），而是一个开放的、流动的场域。在这个场域中，各种不同的力量和情感相互作用，生成多样的体验和意义。这样一来，我们不再只关注主体的内在特性，而是开始思考主体如何被情感、关系和环境所塑造。

多元性：采用样态视角可以让我们同时看到多种不同的情感状态、力量和关系。文创作品或景观在不同的情境中展现不同的面貌，而这些面貌与其所处的关系网络和情感流动密切相关。这种多样化的视角丰富了我们对世界的理解，不再局限于单一的解释。

情感与体验的首要性

情感转向理论主张，情感和体验在理解世界时具有核心作用。如果用样态而非实体来理解事物，我们会更注重情感如何在具体的时空中展开和作用：

体验的生成：样态视角强调的是感知、情感和体验的生成过程。一个景观、一件文创造物，甚至一个人，都可以被视为一个情感和体验的“生成场”，其样态随着环境、时间、他者的介入而不断变化。这种视角更贴近情感体验的流动性和复杂性，反映了我们在与世界互动时所感受到的动态情感流。

细微情感状态的捕捉：在样态视角下，我们能够捕捉到事物细微的变化和情感转变，而这些在实体或主体的视角下可能被忽视。样态强调的是情感的复杂性和瞬间性，这使我们更加关注那些短暂但重要的体验和感受。

对文创作品的动态理解

将文创作品视为一种样态，而不是静态的作品或创造者意图的表达，可以让我们以更开放的方式理解艺术创作：

作品的多重性：文创作品不再是一个固定的、具有特定意义的实体，而是一个在不同时间、情境、观众情感互动下不断生成新的意义的场域。它的样态随着观看者、社会环境、文化背景的不同而变化，呈现出多种可能的解读和感受。

创作过程的流动性：文创不仅仅是从创作者内在的表达出发，而是一个与环境、他者和文化不断互动的动态过程。创作的结果不仅是完成的“作品”，更是一个情感与关系交织的生成状态。

对人与自然关系的重新思考

在样态的视角下，人与自然的关系也发生了转变。传统的主体—客体二元论认为人类是自然的主体，外部世界是人类控制和理解的对象。然而，样态视角打破了这种二元对立——

人与自然的共生关系：在样态视角下，自然和人类都是情感和关系的参与者，彼此之间存在着动态的交互。景观、自然现象不再只是背景或资源，而是与人类一起生成情感体验和意义的共同体。

自然的活力：自然也被视为具有情感和感知能力的存在，其样态随着季节、天气、生态系统的变化而展现出不同的面貌。人与自然不再是主客体的关系，而是共同生成体验和情感的合作伙伴。

“平面”vs文创
情动转折
日日新，又日新
新文创
德勒兹的“平面”
文创造物身体
德勒兹的“身体”概念 II
“感觉-被感觉”的影响
感觉者和被感觉物
情动地方志
情感素：非人稱力量
德勒兹时间观
弗洛姆 To Have or To Be
德勒兹经营地方感
感觉建构非肉身公式
感性转折 vs 混融哲学
不可逆性及其生成性

爱垦网评注·情动教育

德勒兹的“感性转折”并非作为一个明确的教学模式在教育界广泛采纳，但其理念和影响已经渗透到一些前沿的教育实践和理论中，特别是在关注艺术教育、体验式学习、身体性和情感教育的领域。这些领域的教育实践正在越来越多地重视情感、身体体验和感官感知，逐渐将“全人”发展的理念融入教学设计中。通过这些实践，德勒兹的感性转折正在逐步改变人们对教育的理解，从传统的认知导向转向更加综合和多感的教育体验。

感性转折的理念在教育中的应用：德勒兹的“感性转折”概念重视情感、身体和感官体验的作用，呼吁教育不应仅仅停留在认知发展和理性思维的培养上，还要关注学习者的身体体验、情感参与和对世界的感知。这一理念逐渐被一些教育领域采纳，尤其是在艺术教育、设计教育、体验式学习、社会情感学习（SEL）等方面。

体验式学习：这种学习方法强调通过身体参与和情感投入进行学习，而不仅是通过抽象的知识传授。通过互动、沉浸式活动、戏剧、户外教育等，学生的感官、情感和身体都被调动，符合德勒兹的感性理论。

社会情感学习（SEL）：SEL课程在全球教育中逐渐受到重视，尤其是在提升学生的情感管理、共情能力、社会意识等方面。这种关注情感的教育实践与感性转折的理念有内在的关联。

体感与情感教育的兴起：受德勒兹思想的影响，近年来教育界开始关注情感和身体性在学习过程中的重要性。例如，艺术和表演教育中，越来越强调通过身体运动、感官体验和情感表达来进行创作与理解。这种对身体和情感的重视，体现了感性转折在教育中的应用。

身体学习（Embodied Learning）：这概念在教育理论中受到欢迎，强调学习不仅是头脑的活动，更是全身的体验。通过身体动作、感知和情感反应，学生能够更深入地理解和体验知识。这种方法已经在一些艺术、舞蹈和戏剧教育中广泛采用。

沉浸式教学：通过虚拟现实（VR）、增强现实（AR）等技术，学生可以更加身临其境地感受学习内容，这种沉浸式教学将学生的感官和情感深度结合，有助于加深对知识的理解与内化。

批判性与反工具化的教育理念：感性转折强调打破工具化的知识观，将教育从单纯的技能培训和经济生产工具中解放出来，转向一种更加整体化的“全人”发展。这理念与一些批判教育理论家的主张相呼应。例如，保罗·弗莱雷（Paulo Freire）的批判教育理论倡导的解放教育，关注学生的情感、经验和社会实践中的主体性，与德勒兹的思想有一定的共鸣。

创造性课程设计与跨学科教育：在创造性课程设计和跨学科教育领域，德勒兹的感性转折也有其影响。许多教育实践者开始尝试打破传统学科的界限，通过整合艺术、科学、文学和哲学，创造出能够激发学生情感、感官和创造力的跨学科课程。这类课程鼓励学生通过艺术创作、社会实践和情感体验，培养对世界的多维理解。

教育中情感与共情的重要性：德勒兹的思想尤其影响了关于情感与共情的教育思考。越来越多的教育理论家和实践者认识到，教育不仅仅是培养智力能力，更是帮助学生发展情感、共情能力以及与他人建立关系的能力。例如，芬兰和丹麦等一些国家在基础教育中融入了大量情感和社会学习内容，帮助学生在情感与社交方面成长，这与感性转折中的情感中心论点密切相关。

艺术与文化教育的融合：德勒兹的感性转折也体现在艺术与文化教育的融合中。通过鼓励学生在艺术创作中参与感官体验和情感表达，教育者能够帮助学生更深刻地理解文化和艺术的复杂性。这一趋势与感性转折强调感官和情感的理论保持一致。

The "Theory of Calling" can definitely be applied beyond career development. While it's often associated with finding one's vocation or professional path, the underlying principles can be relevant to various other areas of life and research. Here are a few examples:

Education: In educational contexts, the Theory of Calling can help understand students' motivations and aspirations. It can guide educators in supporting students to find their passions and purpose, leading to more engaged and meaningful learning experiences.

Personal Development: The concept of calling can be applied to personal growth and selfimprovement. It can help individuals align their personal goals and values with their actions, fostering a sense of fulfillment and direction in various aspects of life.

Volunteering and Nonprofits: For individuals involved in volunteer work or nonprofit organizations, the Theory of Calling can shed light on the motivations behind their commitment. Understanding these motivations can improve the effectiveness of volunteer programs and the impact of charitable work.

Creativity and Arts: In creative fields, artists and writers often speak about their work as a calling. Applying this theory can provide insights into the creative process, motivation, and how individuals find meaning through artistic expression.

Healthcare and Helping Professions: Professionals in fields like nursing, counseling, and social work often view their work as a calling. Exploring this perspective can enhance understanding of job satisfaction, resilience, and the impact of personal beliefs on professional practice.

Leadership and Organizational Behavior: The Theory of Calling can also be relevant in leadership contexts. Leaders who view their role as a calling may approach their responsibilities with greater passion and commitment, which can influence organizational culture and effectiveness.

In essence, the Theory of Calling's core idea—that individuals derive a deep sense of purpose and fulfillment from aligning their actions with their intrinsic values and passions—can be applied to any domain where people seek meaning and direction in their endeavors.

相关：呼唤型造物  evocative object  The Etymology of Vocative Linguistic Theory on Vocative  Conation & Affects Vivo's aesthetics   內容是Evocative Object   当符号呼唤象征 

APP Iconada: The Theory of Calling

The concept of "calling" is traditionally used to describe a deep sense of purpose or alignment experienced by humans. When it comes to nonhuman entities, such as objects, applying the "Theory of Calling" is less straightforward but can be explored metaphorically or conceptually in various ways:

Design and Functionality: You could think of an object's "calling" in terms of its design and purpose. For instance, a welldesigned tool or piece of technology might be seen as having a "calling" to fulfill a specific function efficiently. The design of the object aligns with its intended use, which could be seen as a form of "calling" in a metaphorical sense.

Object Interactions: In a more abstract sense, you might consider how different objects interact with one another. For example, in a wellorganized kitchen, each tool and appliance has a specific role that complements the others. Their "calling" could be interpreted as their contribution to the overall efficiency and harmony of the space.

Symbolic or Artistic Interpretation: In art or literature, objects are often imbued with symbolic meanings and can be seen as having a "calling" in terms of their narrative or symbolic role. For example, a particular object in a story might symbolize a character’s quest or serve as a crucial element in the plot.

Environmental Context: Objects in nature or ecosystems can be seen as having a "calling" in terms of their role within their environment. For instance, certain plants or animals have specific functions that contribute to the balance and health of their ecosystem. This can be viewed as a form of "calling" where their presence and function are integral to the system.
While these interpretations stretch the traditional meaning of "calling," they can offer interesting ways to think about the roles and purposes of nonhuman entities in various contexts.

Cultural and Emotional Resonance

Vico and Cultural Universality: Vico’s notion that poetic wisdom is a universal aspect of human culture resonates with Jakobson’s idea that the poetic function of language can transcend cultural boundaries by focusing on the universal aspects of human experience, such as emotions, symbols, and shared myths.

Evocative Objects and Vocative Texts: Both can be seen as modern expressions of this universal poetic wisdom, where creators (whether translators, designers, or writers) tap into cultural symbols and shared human experiences to create objects or texts that resonate with audiences on a deeper, more emotional level.

Communication as a Creative Process

Vico's Emphasis on Creation: Vico viewed the creation of myths and metaphors as an essential part of human cognition. This creative process is mirrored in how vocative texts and evocative objects are crafted to communicate more than just information—they convey meaning, evoke emotions, and inspire actions.

Jakobson's Model and Literariness: Jakobson’s model emphasizes that communication involves multiple functions, with the poetic function highlighting the creative and aesthetic aspects of language. This ties back to Vico’s idea that poetry and myth are not merely decorative but are fundamental to human understanding and communication.

Summary of the Integration:

Vico’s Poetic Wisdom: Represents the foundational role of imagination, metaphor, and creative expression in human understanding and communication.

Jakobson’s Poetic Function: Aligns with Vico’s ideas by emphasizing the importance of form,
aesthetics, and emotional resonance in language.

Vocative Texts and Evocative Objects: Modern manifestations of Vico’s poetic wisdom, where metaphor, imagination, and cultural symbols are used to engage audiences, provoke responses, and communicate deeper meanings.

In essence, the integration of these concepts reveals a shared understanding across different fields that communication—whether through language, objects, or cultural practices—is deeply rooted in the creative and imaginative capacities of humans. Vico’s poetic wisdom provides a philosophical foundation that ties together the various functions of communication explored by Jakobson and the practical applications seen in vocative texts and evocative objects, highlighting the enduring power of metaphor, symbol, and creativity in shaping human culture and knowledge.

APP Iconada: Vico's Poetic Wisdom

Giambattista Vico, an 18th century Italian philosopher, introduced the concept of "sapienza poetica" or "poetic wisdom" in his work "The New Science" (1725). Vico argued that early human civilizations expressed their understanding of the world through myth, metaphor, and poetry—what he called "poetic wisdom." For Vico, this form of wisdom was foundational, as it represented the original way humans made sense of the world around them, through imaginative, symbolic, and metaphorical thinking.

Key Concepts from Vico

Imagination and Metaphor: Vico believed that early humans used imagination and metaphor to understand and explain natural phenomena, turning abstract concepts into concrete, relatable symbols.

Myth and Poetry: Myths and poetry were not just literary forms but were crucial tools for early humans to articulate their experiences and emotions.

Cultural Universality: Vico saw poetic wisdom as a universal human trait, with every culture having its own form of this imaginative, metaphorical understanding of the world.

Marrying the Concepts

Imagination and Metaphor Across Fields

Vico's Poetic Wisdom: Centers on the imaginative and metaphorical basis of human understanding.

Jakobson's Poetic Function: In Jakobson's theory, the poetic function of language focuses on the aesthetic and formdriven aspects of communication, similar to how Vico viewed the mythic and poetic expressions of early humans as foundational to knowledge.

Evocative Objects: In the cultural-creative industry, evocative objects function as modern embodiments of Vico’s poetic wisdom. These objects use design, symbolism, and metaphor to engage the audience’s imagination, evoking emotional and intellectual responses that are deeply rooted in cultural narratives and myths.

Vocative Texts: Vocative texts often employ metaphor and imaginative language to engage the reader and prompt action, echoing Vico’s idea that metaphor is a powerful tool for shaping human perception and behavior.

愛墾APP:中國文史哲傳統的情動挑戰

中國的文史哲傳統是否受到「情動轉折」的挑戰，是一個複雜而有趣的問題。「情動轉折」源於西方學術界，尤其是在文化研究和人文學科領域提出，意在重新關注情感、感性、身體與社會結構之間的互動。因此，探討它如何影響或挑戰中國的文史哲傳統，需要從幾個不同的角度來分析。

情感與理性的傳統觀念衝突

中國的文史哲傳統：自古以來，中國思想中的情感與理性關係複雜。例如，儒家強調情感的理性化和節制，如《論語》中的「己所不欲，勿施於人」提倡情感的合理化，而「中庸」思想則追求情感的適度表達。儒家文化將情感與社會責任、道德規范聯系在一起，使得情感在社會生活中具有重要但被規制的地位。

情動轉折的挑戰：情動轉折主張情感具有獨立的社會作用，關注情感如何在文化、社會和身體中流動，而不是單純地受理性調控。這種視角可能對中國傳統中情感與理性平衡的觀念提出挑戰，尤其是在儒家強調「禮」對情感的規范化作用時，情動轉折理論則強調了情感的自由流動和自主作用。

潛在影響：情動轉折為重新審視情感在中國傳統社會中的角色提供了新視角，可能促使人們重新思考情感是否需要完全被理性或倫理道德所規制。特別是在當代中國社會中，隨著個人主義和情感表達的多樣化發展，情感的自發性和身體性逐漸受到重視，這與情動轉折的理論有一定契合。

身體性與情感的重新定位

中國的文史哲傳統：在中國哲學傳統中，身體與情感同樣具有重要的地位，但其理解方式與情動轉折理論有所不同。道家思想強調「天人合一」和身體與自然的和諧，認為情感和身體的平衡可以通過與自然的交融來實現。道家的身體觀傾向於強調無為、自在和與宇宙的和諧，而非情感的過度表達。

情動轉折的挑戰：情動轉折關注身體作為情感的承載體，認為情感通過身體感知和社會實踐來運作，並有時反抗外在的規范或道德約束。這一理論可能對中國文史哲中關於身體的道家和儒家理解形成對比，尤其是當情感和身體的社會性超出個體控制或傳統倫理時。

潛在影響：情動轉折理論或許會促使我們重新思考中國哲學傳統中對身體與情感的規范，特別是在當代社會中，情感不再被單純看作私密的個人體驗，而是集體體驗、身體體驗和社會文化的一部分。現代中國的文化變遷中，情感和身體的自我表現越來越明顯，這可能促使學者以情動轉折的視角審視當代情感和身體實踐與傳統思想之間的互動。

「情」與「性」的辯證關係

中國的文史哲傳統：在中國傳統中，「情」與「性」的辯證關係受到儒釋道三家的深入探討。儒家將情感看作天性的一部分，但認為它需要通過教育和禮儀來進行修身和修心。道家則更加注重情感的自然流露，佛教則主張通過修行來擺脫情感的困擾，以達涅槃超脫。

情動轉折的挑戰：情動轉折研究重視情感與身體作為一種集體性、社會性的動力，這與中國傳統中的個人修身理念形成一定的對比。在現代社會中，情感被視為一種社會力量，甚至具有政治性，能夠影響集體認同與社會運動。這一觀念與中國傳統哲學中的個人修為、禮制規范和道德訓誡有一定的衝突突。

潛在影響：情動轉折的視角可能促使中國學術界重新評估傳統「情」與「性」辯證關係的現代意義，尤其是在全球化和數字時代中，情感如何通過媒體、技術和社交網絡得到新的表現方式。這可能為傳統思想注入新的解釋路徑，探索情感與社會規范之間的張力。

情感與社會文化的互動

中國的文史哲傳統：中國傳統文史哲關注情感如何融入社會文化，如在文藝作品、歷史敘事和哲學反思中，情感常常通過禮儀、道德和美學得到表現。例如，古代文學中的抒情詩歌（如唐詩宋詞）既表達了個人情感，也承擔了對社會道德規范和人倫關係的維系。

情動轉折的挑戰：情動轉折理論關注情感的社會文化作用，探討情感如何塑造個體與社會的互動，情感如何通過文化實踐、身體感知和社會關係得以傳播。在這種理論下，情感不僅僅是個人體驗，還具有文化和政治意義。這種視角對中國傳統文學、藝術和歷史中的情感研究提出了新的挑戰，要求重新審視情感作為文化實踐的社會影響。

潛在影響：情動轉折理論可能為中國傳統文學和藝術中的情感表達提供新的分析框架。例如，重新思考古代詩詞中情感的社會性和集體性，或者在當代文藝中，情感與社會、文化變遷之間的動態關係。它可能推動學者在分析中國文藝作品時，超越情感的個人表達，更多關注其社會文化意義。

現代社會的情感表達與傳播

中國的文史哲傳統：在傳統中國社會中，情感的表達方式往往受到禮教和社會規范的制約，而這些規范隨著時代變遷也在不斷演變。在當代社會，隨著信息技術的發展，情感的表達更加開放和複雜，特別是在社交媒體、流行文化和影視作品中，情感成為集體表達和溝通的重要元素。

情動轉折的挑戰：情動轉折理論探討了現代技術如何改變情感的表達和傳播，尤其是在數字化和全球化背景下，情感不再僅限於私密空間，而成為公共領域的一部分。中國的社交媒體平台（如微信、微博）在情感的傳播中起著重要作用，這種情感文化的轉變對傳統文化中的情感理解提出了新的挑戰。

潛在影響：情動轉折為我們提供了一個框架，可以分析現代中國社會中的情感傳播模式，特別是在面對全球化、科技進步和文化多樣性的情況下。它可能促使學者重新思考情感如何通過這些新興的傳播方式影響社會結構和文化實踐，並對傳統文史哲的情感理解進行再評價。

情動轉折為重新審視中國文史哲傳統中的情感觀念提供了一個新穎的框架。它挑戰了傳統中理性與情感的平衡觀念，重新聚焦於情感與身體、社會和文化的複雜互動。在當代中國，情感表達的多樣性和自由度日益增加，情動轉折理論可能推動中國學術界在全球化和現代化的背景下，重新探索情感的社會文化角色和影響。這種理論的引入可以為中國文史哲傳統提供新的思考路徑和研究工具，同時也引發對傳統情感規范和社會角色的再討論。

四、視域融合與文化創造

當讀者帶著自己的歷史「視域」去理解某種歷史作品時，兩種不同的歷史「視域」必然會產生一種「張力」（tension）。讀者必須擺脫由作品自身歷史存在所產生的「成見」，但又不能以自己的「成見」任意曲解其理解的對象。只有在解釋者的「成見」和被解釋者的「內容」融合在一起，並產生出意義時，才會出現真正的「理解」。這種過程，Gadamer稱之為「視域融合」（fusion of horizons）。

惟有在人以不同態度對傳統進行「過濾」後，才有可能創造出新的文化產物，這就是歷史真正的價值所在。

肆、語言與詮釋學

在Gadamer看來，「語言」這種工具是持續不斷地生活著，並發生作用的因素，也是人們與「現在」保持聯繫的中介物，惟有通過語言這種不斷更新的活生生的中介物，我們才能領會和認識歷史與藝術品。

一、語言與存在

藝術和歷史（本身、流傳物與開放性）一樣，其最終表現方式為語言。因此，Gadamer的轉向語言，是一種本體論意義的轉向，即語言是理解的模式，也就是人存在的本質與模式，惟有生活在語言中的人，才是生活在真理之中。相反地，科學所抱持的理想，是要標示精確明晰的概念，所以科學把「言詞」轉變成為「符號」，就剝奪了「言詞」的原始力量，使它們僅僅成為一種工具或標示者。

二、語言與生活世界

語言揭示出生活世界：世界與環境不同，語言創造了人可能擁有的世界。人只有一個生活世界，此一世界是由傳統流傳物、文本等文化遺產所構成。語言具有向人揭示世界的開放能力。「誰擁有語言，誰就擁有世界」，由此亦可看出，其實Gadamer所想要維護的，是具有內在性之思想與觀念的文化，而不是由現代科學所支撐起來的外在文明。

伍、總結：詮釋學的改頭換面－本體論與辯證「法」的加持

一、本體論的詮釋學

Gadamer的詮釋學把「理解」和「解釋」看做是人類在現實生活中從事世界之活動的「總經驗」。這種「總經驗」共同的精神基礎，就是「人的最基本感受」。哲學詮釋學的任務就是向這種感受回歸與靠攏，以便在人的內心深處，形成精神活動的彈性結構，把過去、現在和將來的許多種可能性，組合成既具有延續性、又具有超時空性的一種「場域」，供人們精神力量任意馳騁。

二、辯證法的詮釋學

Gadamer進一步將Heidegger理解的存有學發展成一種辯證的詮釋學，效法古希臘人，把思維看做是存在本身的一部分，他們所做的是是一種辯證的考察，並嘗試讓那些被理解的東西來引導自己。知識是他們參與其中的某物，而不是後天獲得的財產，甚至是讓知識來佔有自己。古希臘人的這種方法，是截然不同於現代人希望以「主/客」對立的思考模式建立確定性知識的限制。

Gadamer認為，真理之所以會被發現，並不是透過「方法」，而是透過「辯證」。惟有以不斷地提問作為回應事物的方式，才能趨近所要探究的事物。在此，必須指出Gadamer的辯證詮釋學與Hegel的辯證法，兩者之間的不同之處，在於Gadamer的辯證並不是建立在自我意識上，而是以語言學和存有學作為基礎，立基於人類在世存有的語言性上。這不是一種提升「正/反」命題的辯證法；它是一個人「自我」視域和「傳統」視域之間的一種辯證，Gadamer其辯證的詮釋學是以Heidegger後期思想中的存在結構以及理解的前結構為基礎，辯證的目的是一種現象學式的－讓遭遇到的存在者開顯事物自身。

總而言之，Gadamer的詮釋學提出了一種新的客觀性：他發展出一種提問的立場，超越「主/客」對立的圖式。在提問中開顯出的東西，並不是主體性的一種投射；它在呈現自身的同時，也影響並牽動著我們的理解。Gadamer認為，無論是在科學中，還是在人文學中，甚至在日常生活中，理解總是一種歷史性的、辯證性的和語言性的事件。理解的要件不是操縱和控制，而是參與和開放；理解並非知識，而是經驗；並非方法論，而是辯證法。(更多精彩内容在:https://www.nhu.edu.tw)

二、藝術與遊戲

Gadamer希望藉由「遊戲」此一概念來揭示藝術作品的存在方式。整體而言，遊戲的主要特徵有三項：

第一，遊戲活動的主體性：遊戲活動的主體，並不是從事遊戲活動的人，而是遊戲活動本身。同樣的，藝術作品亦是在進入人的理解之中，在彼此的交互作用當中，才獲得其存在。

第二，遊戲是活動者的自我表現：即遊戲是活動者自身意願的表現。遊戲活動者經由玩味某種東西，或表現某種東西，而達成其特有的自我表現。同樣的，在主體理解活動中，藝術作品所表現的意義，其實便是主體所理解的內容。

第三、遊戲必須依賴於觀看者：遊戲本身是由遊戲者和觀看者所組成的整體，必須由觀看者去感受。對於觀看者而言，遊戲是在觀看者之中進行的。同樣，藝術作品的意義也是相對於觀看者而存在的，只有進入到觀看者的理解活動當中，藝術作品才真正的存在，對於作品真正意義的實現，觀看者具有積極的參與作用。

總之，Gadamer的遊戲概念展現出其藝術真理的三大目標：一是親除主觀性，清除「主/客」觀的二分。二是強調遊戲中自我的表現，是藝術作品存在方式。三是引入賞析作品時，參與真理的特性。

參、歷史

Gadamer確認了歷史性是人類存在的基本事實，精神科學所研究的，是人類歷史的各種流傳物，它們在經驗歷史中流傳，它們所傳遞的，是必須參與其中才能獲得的真理。他一反西方詮釋學追求把握文本作者原意的傳統，全面肯定理解過程中產生差異的合理性，推崇讀者對作品意義的參與，推崇作品在現時的意義，使得詮釋學理論向前一步的發展。

一、理解與方法的「非中立」

理解與傳統密切相關，理解不是某種活動，理解是一種發生，是一種遭遇，一個事件；理解比方法更為基本，使用方法必然在理解之後。以為方法能與個人主體抽離，成為具有「中立性」的工具，是錯誤的假設前提，因為歷史間距是不可克服的。成見就是理解真理的先決的條件，故而源自個人的歷史成見，不可能完全消除。在Gadamer看來，成見並不是一件壞事，它是瞭解新事物必須的前理解。

二、前概念與傳統

Gadamer承繼了Heidegger關於理解的「前結構」概念，認為我們之所以能夠理解一篇作品（或事物、境遇）並非是以一種「空虛意識」面對當下；相反，我們我們早已具有一種面對境遇的意向、一個既定的視見方式和某些觀念上的前概念。惟有透過當下的意識，我們才可能觀察、理解歷史

依照Gadamer此觀點，傳統並不是與我們對立之物。事實上，我們是存在於傳統之中。傳統是十分透明的媒介，正如魚不能察覺水一般。

三、成見與視域

啟蒙運動後，西方理性主義者多認為「成見」（prejudice）是一種和理性對立的力量。Gadamer一反眾議，以正面方式，說明成見是人的歷史存在狀態，它與歷史相互交織，成為理解的基本「視域」（horizon）。「視域」一詞的字義是「地平線」，其涵意為：個人必須在其歷史的存在中，展開理解活動。由歷史所形成的「地平線」，決定了一個人的理解視野。

Gadamer認為重新肯定「權威」和「歷史」，是詮釋學的基本出發點。理性與傳統，並不是相互對立的力量；理性只有以傳統力量作為中介，才能發揮作用，更積極地說，傳統反而會為認識的進一步發展提供多種的可能性。

高達美(Gadamer)的詮釋學~~″一首詩的生命不是作者一個人所能維持住，也要讀者幫忙才行。讀者的想像與情感是生生不息的，一首詩的生命也是生生不息的，它並非是一成不變的。″ [朱光潛＜談美＞ ]

壹、詮釋學與Gadamer

一、詮釋學：源起及其演進

詮釋學（hermeneutics）一詞源於希臘神話中的天使Hermes，他是天神宙斯的使者，負責傳遞宙斯的訊息，並「主動地詮釋」宙斯的意思。

詮釋學的發展歷史可分為三個階段。第一階段是指詮釋＜聖經＞的原則，認為詮釋聖經應該以原文為主，找尋其「隱藏的」意義。第二階段是指F. E. D. Schleiermacher（1768-1834）的心理主義與W.Dilthey（1833-1911）的歷史主義的詮釋學。他們共同的思想基礎是客觀主義，主張詮釋者應擺脫自己的偏見及其時代的限制，而進入被理解對象的那個時代及其設身處地的立場。第三個階段是指M. Heidegger與Gadamer的詮釋學。他們把詮釋學從方法論轉向本體論（ontology），從而使詮釋學成為一門真正的哲學理論。

二、Gadamer的生平

H. Gadamer（1900-2002）出生於德國馬堡，就學於弗來堡大學；1923年拜Husserl與Heidegger為師，受兩人影響甚大。Gadamer的學術生涯可分為三個時期：早期研究古希臘的政治和倫理思想，尤其著重於對柏拉圖思想系統性的闡釋。中期注重的是本體論，發展具有濃厚思辯色彩的哲學詮釋學體系。晚期則擺脫了學院式的純思辯色彩，將本體論用於現實社會的問題分析中，發展成一種實踐科學。

貳、＜真理與方法＞

Gadamer最重要的作品是六十歲時發表的<真理與方法>一書。其認為，自然科學的方法，不論是培根的經驗歸納法，或是笛卡兒的演繹法，都會造成控制意識。方法論時代是科學氾濫和科學控制加劇的時代。方法並不能保證人們獲得真理。<真理與方法>一書包括三個部分，分別開創出藝術、歷史和語言這三條通往真理的「非方法」大道，藝術與歷史是人們理解世界的兩種模式，這兩種模式終將統一於語言之上。語言並不只是符號工具而已，它還具有表現世界，使世界得以繼續存在的作用。

總之，科學的真理並不是普遍適用的，Gadamer的目的是要探尋一種超出科學方法論控制之外的對於真理的經驗。

一、藝術中的歷史意識

藝術經驗是對立於科學經驗的，藝術經驗是一種人生在世的經驗，它的內容是人主觀認識的真理；科學經驗則是人通過方法，實行對客體乃至於對他人的控制。Gadamer批判康德強調「主觀審美標準」的審美觀，不能把藝術鑑賞活動看做是如康德所說的，只注意到事物表面質量的經驗活動，而無須對藝術進行「歷史的考察」，便可以賞析作品之美。故Gadamer強調藝術的「歷史意識性」。

Gadamer繼承了Heidegger的藝術觀，主張藝術是存在真理的一種顯現，也因此藝術的產生有一定的社會及思想背景，藝術自身也表現和描述此一背景。如果抽掉藝術中的道德因素，主體僅僅沈浸於其審美的愉悅之中時，則藝術就已經喪失其原始的生命力。

愛墾APP:George Kelly 的「個人建構理論」～～自2000年以來，George Kelly 的「個人建構理論」（Personal Construct Theory，簡稱 PCT）在以下幾個方面取得了顯著進展，尤其是在心理學、教育學和認知科學等跨學科領域。盡管 PCT 最初是個體心理學框架，但近年來的研究拓展了其應用，特別是在認知和文化研究方面。

與認知科學的整合：近年來，PCT 的概念逐漸融入認知科學，研究者探討了個體如何通過建構理解外部信息的過程。例如，研究表明，PCT 可以用於解釋個人如何通過記憶和聯想創建經驗的心理框架，這與當代認知科學對「心理模型」和「概念框架」的研究方向有相似之處。一些研究還進一步將 PCT 與神經科學相結合，試圖探索腦部活動如何支持人類的建構過程。這些研究展示了 PCT 在認知建構方面的適用性，同時也為建構理論提供了生物學上的解釋支持。

量化建構系統的分析：雖然 Kelly 的建構理論強調個體的獨特性，但近年來的研究探索了量化評估建構系統的新方法。研究者在 Kelly 原本的「角色建構複本測試」基礎上，開發了更多計算模型和測量工具，以捕捉建構系統在不同情境中的表現。此外，研究者利用社交網絡分析法，將 PCT 應用於網絡關係的結構分析，探索個人建構如何通過社會網絡和關系結構得以表達和調整，這使得 PCT 不僅限於個體水平，也可用於研究群體關系和組織行為。

跨文化建構的研究：PCT 的跨文化應用也成為了近年來的一個研究趨勢。不同文化背景的人可能擁有不同的建構系統，尤其是在關於社會身份和價值觀的理解上。近年來的研究開始關注這些差異如何影響人們的思維、情感和行為。一些研究表明，建構理論有助於理解文化如何通過特定的價值觀和信仰塑造個體的世界觀。例如，PCT 被用於解釋跨文化適應、移民心理健康以及文化沖突中的角色建構差異。

情緒和建構的交互研究：隨著情動轉折（Affective Turn）的興起，PCT 開始更加關注情緒與建構之間的關系。研究者發現，情感不僅是建構的結果，還可以影響和塑造建構系統。不同情感狀態可能會激發不同的建構方式，這種觀點得到了一些實驗研究的支持。一些學者探索了情感建構的可塑性，指出當個體在情感困境中重新調整建構系統時，可以幫助其獲得新的心理視角並增強適應力。

在教育和職業發展中的應用：教育心理學和職業發展領域也在應用 PCT 來幫助個體認識自我和職業角色。例如，通過建構理論，教育者可以幫助學生理解其在學習、社交等方面的獨特建構，這樣能夠增強學生的自主學習能力。在職業發展方面，PCT 被用於職業輔導和職業發展規劃中，幫助個體通過建構調整應對職業壓力或職業變遷。近年來，研究表明，理解個體的職業建構系統可以幫助其更有效地應對職業上的轉變和職業發展需求。

在精神健康和心理治療中的應用：PCT 在心理治療中的應用也取得了進展，特別是在認知行為療法（CBT）和人際關系治療中。研究者應用 PCT 幫助患者理解和調整他們的自我建構和應對策略，以減輕焦慮、抑郁等情緒障礙。近年來，建構理論的自我重構技術（self-reconstruction techniques）被進一步探索，用於幫助個體在經歷重大變故後重建對生活的理解，這在創傷恢復、成癮治療等領域顯示出積極效果。

綜上所述，近年來George Kelly的個人建構理論在多個領域得到了顯著擴展和應用，顯示了其跨學科的適應性和理論價值。這些新進展不僅深化了 PCT 的學術基礎，還讓其在實際應用中變得更具影響力。

「實存論」（existentialism）與「實有論」（substantialist realism 或 Vorhandenheit，根據語境不同可能翻譯略有差異）在哲學中有不同的側重點和基本關切。兩者的核心差別在於對存在的理解方式以及所關注的哲學問題。

定義與重點

實存論（Existentialism）

核心概念：  強調個體存在（existence）的優先性，注重人類自由、選擇、情感體驗以及對自身存在意義的探尋。在海德格爾哲學中，實存論集中於「此在」（Dasein）作為對存在意義的敞開。海德格爾的存在論（ontology）也可以被視為一種對實存論的深化。

關鍵詞：自由、選擇、意義、時間性。

哲學背景：受薩特、海德格爾、加繆等影響，實存論反對傳統形而上學的「本質優先於存在」的觀念，轉而主張「存在優先於本質」。

關注的問題：  人如何面對存在的荒謬、不確定性和自由的責任？如何通過具體的選擇賦予自身存在以意義？

實有論（Substantialist Realism / Vorhandenheit）

核心概念：關注存在物作為客觀實體的「實有性」或「在場性」（presence）。在海德格爾的語境中，「實有」（Vorhandenheit）指的是一種對事物的傳統認識方式——即事物作為獨立於人的、可被客觀研究的存在狀態。

關鍵詞：客體、獨立存在、物質性。

哲學背景：實有論多見於傳統形而上學和科學哲學，認為存在物具有本質性特征，與人類的認知和經驗無關。 海德格爾批評這種觀念過於狹隘，因為它忽略了人與存在物之間的關係和互動。

關注的問題：事物是否獨立存在於人類認知之外？事物的本質是否可以通過科學或理性揭示？

主要區別
文創領域的應用與意義

實存論的應用

強調人類個體的感受與選擇，適用於以體驗和意義生成為核心的文創設計。例子：沉浸式體驗設計、個性化敘事的文化產品，這些通過呼喚人的情感和選擇，為用戶提供深層次的意義感。

實有論的應用

強調文化產品的客觀性、材料性和功能性，適用於物質文化遺產保護、產品開發等領域。例子：設計中的工藝品分析、地方性文創的物理特性研究，如竹制品或陶器的制作技藝。

實存論偏重「人如何存在」，強調時間性、情感和選擇，是創造性設計中探尋意義生成的重要工具。實有論偏重「事物如何存在」，強調獨立性和功能性，適合對文化資產的物質和技術屬性進行分析。兩者結合可以在文創領域找到平衡：既關注產品的物質屬性，也關注其引發的存在體驗，從而創造出兼具功能性與情感吸引力的文化產品。

愛墾APP:海德格爾與實有論-實存論～～在海德格爾的哲學中，「實有論」（或稱「現實主義」）並不是一個明確的術語，而是可以從他的整體思想中探討的一種「存在論」視角。海德格爾更傾向於質問存在的本質，而非關注某種直接的、獨立的現實性。愛墾網現從海氏的核心概念和文創領域的應用出發，分析「實有論」的定義及其意義：

實有論在海德格爾哲學中的定義

（1）對「實有」的理解：海德格爾關注「實有」（Vorhandenheit，字面意為「在手的存在」）與「此在」（Dasein）之間的關係。 

實有：指事物的客觀性或作為客觀存在者的狀態。例如，桌子、石頭、機器作為物質性對象，它們獨立於人的感知或行動存在。 

此在：指人的存在方式，是一種對「存在」的敞開狀態。此在不僅僅是存在著的人，而是能意識到自己存在並探問「存在」意義的人。

海德格爾的批判在於，他認為傳統形而上學過於關注「實有」的存在，將一切存在物視為「客體」（object），卻忽略了「此在」對這些存在物意義的生成。

「實有論」並非中心，而是「存在論」核心

海德格爾強調「存在論」優先於「實有論」。他關注的不是事物「是什麼」（實有論的問題），而是事物「如何顯現為存在」。  對他来說，「實有論」更多是傳統的、科學的、客觀化的視角。

海德格爾通過提出「工具存在」（Zuhandenheit，「在手性」）來說明事物的意義更多是通過人類的實際使用和體驗而顯現出來的，而非僅僅是作為獨立客體存在。

實有論對文創領域的意義：海德格爾的哲學為文創領域提供了一個從「意義生產」而非「實物生產」出發的視角。這種視角尤其強調人類與物、與空間的交互關係，以及這種關係如何影響意義的生成。以下為具體意義的解讀：

從「實有」到「在手性」：體驗式創意的設計

文創領域經常涉及到將「物化的文化」變為「體驗化的文化」。  根據海德格爾，「實有」的事物僅僅是材料或載體，其文化價值和意義只有通過「在手性」（人對物的使用和互動）顯現。例如：  傳統工藝品：一件陶器並非僅僅是裝飾物，而是蘊含著手工藝人與土壤、火候的關係，甚至體現了特定地方文化的歷史記憶。

文創活動：通過創意設計，消費者不僅看到一件藝術品，還能在活動中與它互動，例如DIY手工坊或沉浸式展覽。

「實有論」與敘事轉向：從物到意義的故事化

海德格爾強調「存在」並非孤立，而是嵌入於一個更大的關係網絡中。在文創設計中，這種網絡可以通過敘事展現：    一個物品本身作為「實有」存在的意義有限，但通過賦予其情感化的故事或文化意義，它可以激發更深層次的體驗。例如：一個普通的毛筆可能因為被賦予某位書法家的使用背景而獲得文化價值。

從「此在」的角度設計文化內容

文創創作者可以關注消費者的「此在」，即他們如何在特定情境下與文化產品交互： 

虛擬現實（VR）體驗：設計不僅是關於再現「實有」的世界，而是如何引發觀眾的存在感和意義體驗。

地方文化復興：通過設計活動（如傳統節日體驗），賦予人們與地方環境、文化傳統的直接互動機會，從而使地方文化不再只是「實有」的遺產，而成為人們「在場」的活態體驗。

「實有論」與「新存在」：可持續文創的探索

對於自然資源和文化遺產的創意利用，海德格爾的思路可以激發對文創可持續性的思考： 

  一種材料（如竹子或粘土）並非僅僅作為實物存在，而是被視為自然-文化的連接。通過文創設計，可以喚醒人們對自然材料、手工技藝背後深層生態關係的理解和尊重。

海德格爾並不專注於「實有論」，但他的哲學可以通過強調「存在論優先性」來重新定義文創實踐中的意義生成過程。在文創領域，這種視角啟示我們：  文化創意的核心並非物品本身，而是人類與物品、情境、時間之間的互動和關係。  實物（實有）必須通過設計和體驗，轉化為意義的載體（在手性）和情感的媒介（存在感）。  文創的未來可以通過挖掘人與物的存在關係，激發更深層次的文化認同和情感連接，從而實現更廣泛的社會價值。 

KSSM华语-华文文学工程，先从学习的原动力开始～～从2011年开始，大马教育部开始推行全新的KSSR教育课程。到了2017年开始推动KSSM初中课程。2000年进入KSSM高中课程。那些预备在念完中四与中五后报考大马教育文凭（SPM）的学生，若能回头去了解KSSM华语/华文文学两门选修课的既定背景，必有助于学好、考好这两科。

若能从生命呼唤原理(Theory of Calling)切进去帮助应考生，则能起到真实提振的作用。先让我们来理解有关背景如下——

在马来西亚，教育是一项持续性的事业，它致力于全面与综合地发展个人之潜质。在信奉和遵从上苍的基础上，塑造一个在智力、精神、 情感和体魄方面都能平衡与和谐的人。其目标在于造就具有丰富的学识、 积极的态度、崇高的品德、责任感，并有能力达致个人幸福的大马公民， 从而为家庭、社会与国家的和谐与繁荣作出贡献。（来源：1996年教育法令[第550条])

导言：马来西亚教育课程的制订向来以《国家原则》和《国家教育政策》为依归，以《国家教育哲理》的意愿为目标，旨在塑造智力、 精神、情感和体魄都能平衡发展的人，培养具备爱国意识的国民， 以期建设一个文明和谐、繁荣富强的现代化国家。联合国教科文组织“国际 21 世纪教育委员会”的报告—— 《学习：内在的财富》提出了21世纪教育的两个重要观点，一个是 “终身学习是 21 世纪的通行证”；另一个是“21 世纪教育的四大支柱”，即学会求知、学会做事、学会做人和学会共处。报告中指明了“终身学习”将通过“四大支柱”来实现，换句话说，这“四 大支柱”也是每个人一生的学习支柱。马来西亚向世界上一百多个国家看齐，也以“四大支柱”作为教育改革的基础。 课程发展司成立至今，中学课程已历经数次修订。在教育发展的过程中，课程制定是一项需长期积极进行的工作。课程的修订、 改革往往与时代的嬗变和社会的需求有着密切的关系。

为配合21世纪教育发展的趋势，教育部推出了《教育发展大蓝图 2013-2025 年》，其中一个目标是制定一套具稳定性的课程。为达致此目标，课程发展司重新修订各科课程，并推行“中学标准课 程”。中学各科目的课程标准皆以模块为形式，着重内容的整体性，强调符合中学生的程度，且极力减轻学生的学习负担。 华文文学是马来西亚中学标准课程的其中一个科目，让具有中三华文基础的学生在中四和中五修读，以使学生在学习华文之余能 进一步提高文学素养。

《华文文学课程与评价标准》（以下简称 《课程标准》）是以文学体裁的分类来制定的，课程着重让学生掌握诗歌、散文、小说和戏剧等四种文学作品鉴赏的基本方法，以丰富学生对鉴赏文学作品的审美观点，并培养他们阅读文学作品的兴 趣，从而达到提高文学素养，促进文化传承的目标。

修读华文的学 生可以同时修读华文文学，两个科目相辅相成，相互促进。必要时， 教师可根据学生学习华文和华文文学的实际情况，在教学方式和时 间分配上作出适当的调整。 本课程也强调提升学生的道德品质，促进华族文化的传承，培养学生的团结意识和爱国精神。

总目标中学华文文学课程的总目标在于培养学生鉴赏文学作品的基本能力，丰富学生对文学作品的审美观点，提高他们阅读文学作品的兴趣，也让他们通过阅读领悟作品中所传达的人生观，加深他们对文学作品反映的历史、文化、社会和人生的认识，并理解文学艺术与社会生活的关系，丰富学生的文学素养和精神生活，加深学生对华族文化的理解与认同，促进文化的传承。 课程目标 修完中学华文文学课程后，学生能：

1.借助文学作品的创作背景，了解各类作品的主题思想，体会作品的内涵、情感和社会意义。

2. 借助基本的文学知识，分析文学作品的表现手法和语言风格。

3. 解读诗歌的意象，品味诗歌的意境，感受诗歌的音韵美。

4. 品味散文的语言特色，品味作品的意境，分析作品的篇章结构。

5. 分析小说的情节发展和人物形象，了解环境描写的作用。

6. 分析戏剧情节的安排，解剖台词和人物角色的形象，了解戏剧冲突的作用。

7. 培养阅读文学作品的兴趣和良好的阅读习惯，发展热爱语言文 化的情感，提高爱国情操和文学素养。

中学标准课程架构 《国家教育哲理》明确指出，教育的目的是塑造在智力、精神、 情感和体魄各方面都能达致平衡与和谐的人。为了体现《国家教育哲理》，培养具有丰富学识和积极态度的人力资源，“中学标准课程”把教育的各个主要层面归纳为互补互利的六个领域，那就是：交际，精神、态度和道德价值，人文，科学与工艺，体健与美育， 个人才能等六大领域。

(见：大马教育部，2019，中学标准课程（KSSM）“交际华语-华文文学”中四/中五内容标准、学习标准和评价标准文件; Dokumen Standard Kurikulum dan Pentaksiran Tingkat 4 & 5 —Bahasa Cina Komunikasi 交际华语 / Kesusasteraan Cina 华文文学)

（續上）脫口秀演員·不願做不溫不火的工作，學霸稱要在這行「搏一搏」～～學歷是脫口秀行業的眾多人設標簽之一，觀眾熟知的不少演員都畢業於名校。哥倫比亞大學的呼蘭、北京大學的李雪琴和鳥鳥、北京科技大學的徐志勝、上海交通大學的龐博、吉林大學的趙曉卉和周奇墨……

主持人車洪君是復旦大學大四學生，當他的同學們出國、保研時，他選擇更換賽道，參與喜劇表演。他戲稱自己——「在職大學生，全職脫口秀演員」。

車洪君說，他發現自己從小就具備某種喜劇天賦，其中一個典型特征是——上課喜歡接話茬。他善於快速從對方的表達中找到漏洞，這恰好符合喜劇的反邏輯特徵。另一個天賦的發掘在於，英語課上，他在10分鐘的課堂展示中吐槽室友引起同學哄堂大笑，老師對他說：「你身上有美式喜劇演員的氣質。」

7月，家在山西、學在上海的他來到北京，靠著「硬闖」進入了脫口秀行業，在網絡平台購票，通過票務詢問開放麥機會，現場試講。從愛好者到新人再到簽約演員，常人通常需要花半年、一年甚至兩三年才能完成的事情，他用兩個月就做到了。車洪君把這歸結為運氣——在兩場接近「炸場」的演出中，恰巧碰到了俱樂部老板。

或許更重要的是積累和學習。作為社科專業學生，車洪君對脫口秀有基本的底層邏輯理解：一門解構的藝術，消解了精英文化的意義。落實到行動上，他把知名演員們的表演聽了上百遍，熟知他們的人設風格、精彩段子，聊天時對周奇墨、邱瑞等人的表演信手拈來。

當他模仿完邱瑞講媽媽把秋褲縫在牛仔褲上這段，記者隨口一句「這是溫暖啊！」他卻立即反應道：「我是覺得離譜，但你這個角度還沒人講過。」一邊說著，一邊拿出手機記下了「代溝-溫暖」。在他微信文件傳輸助手的聊天框中，還有不少類似這樣的記錄。這就是他的日常，把素材收集、段子創作融入生活。

對於名校畢業生選擇成為脫口秀演員，他說，考慮到目前的經濟形勢和求職難度，與其做些不溫不火的工作，不如在脫口秀行業上升期裡搏一搏。「人的選擇是自由、多元的，每個人都有自己的活法。正是學校給了我選擇的底氣，即使這條路走不通，我相信我也會有自己的路。」

脫口秀觀眾·從脫口秀中找到情緒共振，紓解工作和生活的壓力～～

無論線上綜藝節目，還是線下開放麥演出，脫口秀或許都是最能捕捉社會情緒的地方之一。《脫口秀大會》引領的社會熱點討論包括：996、內卷、催婚、副業、朋克養生、容貌焦慮等等。

北青報記者在開放麥現場則聽到了身邊的「熱點」：身處女性為主的護士職業群體中，護理專業的男孩吐槽自己一再被小朋友稱呼「護士姐姐」；滿臉痘痘的男孩把自己的臉比喻成餅干「趣多多」；職場打工人說髮際線後退，為疾病所困……

據《脫口秀營銷白皮書》所言，脫口秀的用戶群體多為一二線城市精英人群或新中產，年齡在25歲以上，65%以上擁有本科學歷。他們有較高的生活、工作、社交壓力，需要宣洩的出口，且需要尋求社會認同和自我實現的支點。

喜歡看脫口秀的張女士在北京工作10多年了，工作、照顧孩子、運動，每天的時間安排得滿滿當當。在快節奏生活中，有時覺得自己需要釋放一下情緒。」她起初聽相聲，後來開始看《吐槽大會》《脫口秀大會》，有時連續刷上幾天。早幾年，她偶然觀看過線下演出，現在則集中在線上觀看，時間成本是她的重要考量。線上演出經過篩選、排練展出了最精華的部分，還可以在不喜歡的部分快進。

25歲的思佳去年進入北京一家國企工作，身處大城市加之初入職場，看一場脫口秀就成了她排解情緒的方式。

今年「十一」假期，家在本地的朋友們各有安排，思佳無人陪伴，甚至在小紅書上瀏覽「95後誰出來玩」相關帖子，但最後還是決定獨自一人觀看脫口秀演出。

在咖啡吧不大的空間中，與其他觀眾坐在一起，時不時被台上的演員逗笑，這讓她感到一切值得。一個半小時的演出結束，工作帶來的緊張情緒得到緩解，困擾自己的一些事情也可以換個角度思考，「加油吧！明天又是新的一天。」

潮流檔案

騰訊視頻聯合笑果文化在9月推出的《脫口秀營銷白皮書》指出，2018年，全國脫口秀俱樂部數量不到10個，而截至今年5月，全國已有超過150家俱樂部。

如今在開放麥現場，你或許可以與各行各業的人相遇。名校學霸、快餐店品牌大使、核酸采樣員、全職奶爸、企業高管、創業公司老板……他們有人是下班後來吐吐槽，也有人致力於成為一名優秀的脫口秀演員。

脫口秀也開始成為越來越多年輕人的職業新賽道。1990年出生的安子，在老家洛陽推銷過保險、做過直播，去年來到北京，白天做天貓超市客服、便利店售貨員，晚上就去開放麥試段子；1996年出生的研三學生小瑜，2019年曾在廣州試講過一次開放麥，冷場效果讓她時隔兩年才敢重新打開脫口秀綜藝，如今面臨秋招，她打算報名脫口秀訓練營試試看。（原題：青年人為什麼愛上脫口秀|北京青年報|2022-10-25作者：陳靜 林豔 張彬 http://m.cyol.com）

愛上脱口秀：近年來，脫口秀成為都市青年的社交新方式、打卡新去處、減壓新手段。在北京，走進酒吧、咖啡吧，看看開放麥（脫口秀演員實驗段子的免費或低價演出），你會在這裡與各行各業的年輕人相遇。名校學霸、快餐店品牌大使、核酸采樣員、全職奶爸……他們有人是下班後來「吐吐槽」，也有人致力於成為一名優秀的脫口秀演員。

當下，脫口秀是年輕人情緒的共振場，也成為他們的職業新賽道。青年人為什麼愛上了開放麥？北京青年報記者帶你走進線下開放麥與新人演員的故事。

開放麥表演：觀眾花費不到30元，就可近距離欣賞表演

入夜了，高大的寫字樓陷入黑暗，咖啡吧的橘色燈牌在大廈一角獨自明亮。屋內昏暗靜謐，微弱的暖白光盞中，兩位工作人員低聲指引著來客。窄小的旋轉樓梯蜿蜒向下，燈光照亮沿途橙色牆壁，通向隱秘的熱情與活力。

「假期第二天，約不到男朋友就約女朋友來看脫口秀是吧？」棒球帽、小卷髮、金屬項鏈配綠毛衣的男孩蹦跳著上台，看著台下三十來位青年男女，女孩佔了約三分之二，他不禁如此調侃。隨後，他提醒觀眾：「演出過程中，如果好笑就笑，不好笑就鼓掌。」這是北京某著名脫口秀的開放麥現場。新老演員在此實驗段子，觀眾花不到30元就可以近距離欣賞一場表演。

綽號「船長」的21歲男孩收獲了當晚最多的笑聲。他是北京郵電大學通信專業學霸，讓觀眾意想不到的是，光環之下也有許多苦惱：同學「卷」到在廁所背單詞、用教高數的方式追女生卻遭拒絕。

他的表演常常伴隨著豐富、誇張的肢體動作和角色反串。講到喜歡的女孩與別的男孩親密喂食，他微微仰頭張嘴，模仿女孩的可愛表情和聲音。而另一邊，作為旁觀者，他剖析了自己的心境：不屑、嫉妒、羨慕。

演出的「炸場」效果還與一個意外有關。演出前的互動中，一位觀眾自稱在「北京末流985」就讀，並兩次強調「是985唉」，引起全場觀眾大笑。演出後半段，一個完全無關的場景中，演員再次巧妙地提到該觀眾就讀學校，這次call back（脫口秀經典表演技巧）讓全場氣氛達到高潮。

當晚的演出效果不錯，幾乎每位演員都成功逗笑了觀眾。但有時候，演員和觀眾都不得不面對另一種境況——冷場。

9月下旬，南鑼鼓巷一家酒吧，一位在法律行業工作的女孩第一次登台講脫口秀。她講述了年輕人的職場困境，辛苦完成的工作被領導親信搶佔功勞，她因此自閉、自殘。她原本想笑著調侃，卻講著講著就哽咽了。

10月上旬，美術館附近的文創園區，一位相對成熟的演員也出現突發狀況。說到「家庭教育讓我特別不自信」時，她突然躬身道歉：「唉，謝謝大家，對不起對不起。」隨後，她匆匆下場，簾後傳來號啕大哭。

在這兩個時刻，台下響起了鼓勵的掌聲。

開放麥就像一個試驗場，無論是演員還是觀眾都面臨很多不確定性。用一位觀眾的話形容，觀看開放麥就像體驗和參與脫口秀這個果實成熟的過程，幫助演員們鍛造真金。

「利他心」商業場景微電影～～摘要：2019年11月7日，第二十一界中國零售業博覽會(CHINASHOP)在青島正式開幕，商米科技受邀第四次參展，攜手軟件合作伙伴一起打造最具特色的「商米數字小鎮」。除了可以一覽來自全球的近千家參展企業的零售行業新發展外，商米科技策劃了一場「觀影會」值得關注，它是由泰國神級導演塔諾柴拍攝的年度品牌微電影《無價》。

11月7日，第二十一界中國零售業博覽會(CHINASHOP)在青島正式開幕，商米科技受邀第四次參展，攜手軟件合作伙伴一起打造最具特色的「商米數字小鎮」。除了可以一覽來自全球的近千家參展企業的零售行業新發展外，商米科技策劃了一場「觀影會」值得關注，它是由泰國神級導演塔諾柴拍攝的年度品牌微電影《無價》。

在「商米數字小鎮」，體驗18個不同商業場景的新零售變革

每個人都經歷過不同的商業場景，從滿足大眾日常需求的餐館、水果店、服裝店、理發店到滿足不同人群需求的寵物店、母嬰店、足浴店、酒吧夜店等等。

但這些支撐人們吃喝玩樂需求的門店，是怎樣緊跟新零售的步伐的呢?

眾所周知，互聯網帶來的巨大變革給眾多中小商家帶來了巨大的沖擊，有的甚至是顛覆。在本地商家信息化已經是勢在必行的情況下，一些中小商家面對互聯網卻仍然只有不知所措。

在CS展會現場，商米科技攜手16家軟件合作伙伴，以近700平方的最大展位、覆蓋18個不同商業場景的「商米數字小鎮」，通過一站式未來數字門店場景體驗，來回答這個問題。

商米科技以豐富的設備和專業的場景方案營造了餐廳、寵物、足浴、夜店等等一系列真實商業場景，向每位走進「商米數字小鎮」的商戶，在真實場景下，針對性地講解不同行業變革新零售的痛點及解決方案。在此之外，商米科技還聯合支付寶一起打造了可以讓大家體驗黑科技購物刷臉支付。

這也是商米科技創立的初衷：以「利他心」為准則，利用互聯網思維和互聯網技術來為傳統商業建立信用體系，讓商業服務透明化，讓消費者更加放心，同時為平台上堅持提供優質產品和服務的商家提供更多的客戶資源，促進商業的良性循環。

因此，今年的展會，商米科技還有一大亮點：首次對外發布商米嚴選數字化門店解決方案。商米方案專家從9000+商業應用中嚴選12款軟件，從行業痛點出發，為商家提供從硬件到軟件的一體化服務，實現合作共贏。

生活不止18個商業場景，「利他心」需要被更多地傳遞

「商米數字小鎮」營造了18個商業場景，但生活中的商業場景，卻遠遠不止這個數字。而在每個行業乃至每個門店，背後都站著一個不同的商人。

但不知從什麼時候開始，越來越多的人有一種「無商不奸」的看法，而「商人」逐漸成為了一個帶有負面色彩的詞，也成了一個容易被誤解的職業。

其實，很多從事某一個行業的商人，是秉承著想一直傳承干下去的心，他們秉承著一顆利他心，踏踏實實地在自己的領域裡貢獻著價值，成為了員工、家人、顧客眼中了不起的大人物。

在此次CS展會，商米策劃了一場「觀影會」，第一次為商人正言，並借此傳遞「利他心」是商業最本真的心態，願喚起這個商業社會的善意，願每顆善心都不被辜負，就算在無利不獲的商業中。影片故事是從幾十個國內外真實的商家故事中篩選而來，並由泰國國寶級導演塔諾柴執導，歷時3個月打磨、攝制完成。

11月7日，在利他心年度品牌電影公映的同時，商米聯合支付寶、有贊、付唄、美味不用等、收錢吧、錢方、生意專家、銀豹、客無憂、博卡、車店無憂、天財商龍、康銘泰克、貨寶寶、九點半15位行業合作伙伴共同發起了【利他心商家故事】征集，尋找在自己的領域裡，懷揣著商業的本心，默默無聞地服務顧客的每一位老板、每一個商家的故事。

（2019/11/07 极客 原題：一部泰國神級導演的TVC作品，說能喚起商業的「利他心」？)

丹納·藝術哲學：特徵的特殊感覺～～藝術家在事物面前必須有獨特的感覺：事物的特徵給他一個刺激，使他得到一個強烈的特殊的印象。

這規律建立在兩種證據之上，一種以經驗為證，一種以推理為證。…………凡是第一種證據所鑑定的，都可以用第二種證據加以說明。

這種形勢對思想和精神影響很大。由此造成的中心人物，就是說群眾最感興趣最表同情的主角，是郁悶而多幻想的野心家，如勒南，浮士德，維特，曼弗雷特之流，感情永遠不得滿足，只是莫名其妙的煩躁，苦悶至於無可救藥。這種人的苦悶有兩個原因。——先是過於靈敏，經不起小災小難，太需要溫暖與甜蜜，太習慣於安樂。他不象我們的祖先受過半封建半鄉下人的教育，不曾受過父親的虐待，挨過學校里的鞭子，盡過在大人面前恭敬肅靜的規矩，個性的發展不曾因為家庭嚴厲而受到阻礙；他不象從前的人需要用到膂力和刀劍，出門不必騎馬，住破爛的客店。現代生活的舒服，家居的習慣，空氣的暖和，使他變得嬌生慣養，神經脆弱，容易衝動，不大能適應生活的實際情況，但生活是永遠要用辛苦與勞力去應付的。——其次，他是個懷疑派。宗教與社會的動搖，主義的混亂，新事物的出現，懂得太快，放棄也太快的早熟的判斷，逼得他年紀輕輕就東闖西撞，離開現成的大路，那是他父親一輩聽憑傳統與權威的指導一向走慣的。作為思想上保險欄桿的一切障礙都推倒了，眼前展開一片蒼茫遼闊的原野，他在其中自由奔馳。好奇心與野心漫無限制的發展，只顧撲向絕對的真理與無窮的幸福。凡是塵世所能得到的愛情，光榮，學問，權力，都不能滿足他；因為得到的總嫌不夠，享受也是空虛，反而把他沒有節制的欲望刺激得更煩躁，使他對著自己的幻滅灰心絕望；但他活動過度，疲勞困頓的幻想也形容不出他一心向往的「遠處」是怎麼一個境界，得不到而「說不出的東西」究竟是什麼。這個病稱為世紀病，以四十年前〔一八二0年代〕為最猖撅；現在的人雖則頭腦實際，表面上很冷淡或者陰沉麻木，骨子里那個病依舊存在。

藝術品的目的是表現某個主要的或者突現的特徵，也就是某個重要的觀念，比實際事物表現得更清楚更安全；為了做到這一點，藝術品必須是有許多互相聯系的部分組成的一個總體，而各個部分的關係是經過有計劃的改變的，在雕塑繪畫和是個的三種模仿的藝術中，那些總體是與現實相符的。

在文明的壓力之下，人有時胸襟狹窄，有時興奮若狂，或是兩者兼而有之。他成了一架大機器中的一個齒輪，或者覺得自己在無窮的宇宙中等於零。——在希臘，人叫制度隸屬於人，而不是人隸屬於制度。他把制度作為手段，不以制度為目的。他利用制度求自身的和諧與全面的發展；他能同時成為詩人、藝術家、批評家、行政官、祭司、法官、公民、運動家；他鍛煉四肢、聰明、趣味，集一二十種才能與一身，而不使一種才能妨礙另一種；這一段解釋了什麼叫做身心的平衡。

愛墾APP：注意力碎片與傳統舞台呈現藝術～～戲劇、話劇、相聲、評書與脫口秀等表演藝術文創活動，都是面對觀眾、即時傳遞信息並保持注意力的技藝。它們的技巧，正好可以為現代知識傳播提供啟發，特別是在口述-演說藝術中，我們可以借鑑以下五大核心技能：

1. 「場域控制」：構建「注意力磁場」～在現代碎片化注意力的挑戰下，演講者需要有強大的「場域控制力」，讓觀眾的目光和注意力始終聚焦在自己身上。以下是傳統藝術中的三種方法：

戲劇與話劇的「定點定勢」技巧

演講時，可以借鑑戲劇中的「定點站立」，讓自己的存在感穩定，不要四處游移，讓觀眾有視覺錨點。適時的肢體動作（如手勢強調）可以引導聽眾注意重要的概念，而非無謂的手部擺動。

相聲與評書的「眼神交流」

評書大師單田芳說：「說書人要盯著觀眾的眼睛，讓他們的心被我們吸住。」現代演講者應該有意識地輪流與不同觀眾建立短暫的眼神接觸，制造互動感，避免視線漂移。

脫口秀的「節奏感」

關鍵觀點要有停頓，給觀眾消化時間，就像喜劇演員在「包袱」前後會留白，讓觀眾思考並共鳴。→ 應用於演講時，我們需要像舞台表演者一樣，掌控自己的站姿、眼神和節奏，使自己成為整個空間的中心。

2. 「敘事節奏」：讓信息流動如同戲劇～碎片化時代，人們更容易吸收「敘事性」的信息，而不是單調的邏輯推演。因此，我們可以學習戲劇、評書等藝術的「起承轉合」與節奏控制。

評書的「懸念」技巧

說書人通常用「欲言又止」的方式吊足胃口，如：「我們猜後來怎麼著？這事兒啊，不簡單！」在演講中，也可以在拋出問題後故意停頓，留給觀眾思考的空間，增強情境張力。

戲劇的「衝突沖突」設計

好戲劇往往從衝突展開，而不是從定義開始。例如，講 AI 影響社會，可以這樣開場：「你相信嗎？5 年後，我們可能會被 AI 取代！ 但……是全部嗎？」這個對比讓觀眾產生期待。

脫口秀的「笑點邏輯」

笑點其實是一種認知偏差（setup & punchline）。在演講時，我們可以利用「反轉」結構，例如：「大家以為 AI 讓我們更聰明，但事實呢？每天被推薦視頻刷到凌晨三點……」這樣的反差，能讓聽眾更容易記住我們的觀點。

→ 現代演講者應像編劇一樣，把觀點嵌入戲劇性的敘事節奏中，讓聽眾「追隨我們的情緒」走完整場演講。

李祖喬：意識形態的切身感──讀駱頴佳《情感資本主義》

過去二、三十年的「情動轉向」（affective turn）可能帶來了一個誤會，就是讓人以為它是呼籲「我們太重視『理性』了，多點重視『情感』吧！」。

但正如哈特（Michael Hardt）說，轉向affect其實不只是更重視情緒（emotion），也是指要達致理性與激情的綜合（syntheses），使文化分析能夠跨騎（straddle）兩者的互動關係、同時標示出心智和身體的狀態。[1]

所以，我有時覺得「affect」可能應該被翻譯成「切身性」或「切身感」，而不是現時在華文學界普遍通用的「情動」── affect不是要點出「理」之外還有另一面，也不太關於人如何「被觸動了情感」，而是指我們要更多從身體及其所在的網絡去作為分析的出發點，甚至可以暫時擺脫情和理的二元，就是為了更全面地思考身體如何形成，又如何能夠帶來轉變。身體總是有被不同理性和情感力量影響的可能（ability to be affected），又同時有影響周邊的可能（ability to affect）。[2]

切身的資本主義

駱頴佳的《情感資本主義》很能揭示出資本主義的「切身性」。他討論資本主義跟情感的互動關係，但全書並不是先回顧不同學者如何討論資本主義，也不是按情緒（emotion）的範疇（categories）來鋪陳全書（即不是先談「愛」、然後談「恐懼」、「憤怒」等等，把複雜的情感分門別類，劃出清楚的定義）。我們先看全書第一部分，即理論性的對話，便會明白。

駱君先解釋自己的核心關懷──即既重視情感的力量，又不以情感為理由拒絕有關倫理的思考，然後，他便從理論家韓炳哲的「倦怠社會」（burnout society）出發。文章穿插一些香港的地方經驗和重要的討論（例如情感勞動），既汲取韓的觀點，又跟韓對話，以「倦怠感」作為討論資本主義的起點──這是因為我們被迫要成為不停累積「功績」的主體。在第二章，駱君轉往討論斯蒂格勒（Bernard Stiegler）有關認知和專注力的思考，提出藝術如何有可能成為救贖的策略。第三章，駱君在解說如何把冷漠麻木的主體轉化成「情動」的主體時，引進了受苦的他者作為推動者，並跟列維納斯（Emanuel Levinas）有關痛苦和面容的思想對話。在第一部分的最後一章，駱君從面容再推進一步，借用巴特勒（Judith Butler）來思考脆危生命和不同生命體在公共空間的可能。

作者跟理論家對話的同時，卻沒有令人感到「離地」，因為書的編排是按作者對「資本主義」的切身過程而組織出來的：因為人要追逐功績而感到倦怠，而藝術和專注力有可能讓人想像出路，但始終要引入他者的面容來產生同情，然後更進一步思考人與人如何通過公共空間來使被阻隔的身體連結起來。這些討論，遠遠多於「請不要太理性，應該說多點情感」，而是展現了主體的感受如何在文化和社會中形成、又如何有可能通過感知和知識的經驗而獲得轉化。

切身的地方

在書的第二部分，駱君把過往幾年的文化觀察重新編排，也讓我們以另一種角度理解「切身」的意義──他是在討論香港的資本主義，而不是其他資本主義空間。這又把「情感資本主義」的討論聯結到地方。

如果第一部分是指出「資本主義」的邏輯跟身體的關係，第二部分更多是討論這種關係在特定地方結構中的形態，當中特別關注一些反抗資本主義的文化實踐。(原载：微批 https://paratext.hk)

沙巴西海岸內陸災情嚴重·賓客涉水趕赴會場

愛墾APP:文化理論家Judith Butler說：「脆弱不代表受傷，而是開放你的身體，以自己的身體或情感，向不可知的他者和世界結連，將身體的界線打開，向不可知的環境探索」。「當你以身體的脆弱對抗強權，這種為弱勢的他者在公眾地方聲援、抗爭，以至集體哀慟，是一種勇於以脆弱的姿態向強權展現一種對抗、不畏懼的叛逆表現。」

這兩句話，反映了朱迪斯·巴特勒（Judith Butler）對脆弱性（vulnerability）和身體政治的思考，主要源自她的著作《危脆生命》（Precarious Life）。在這本書中，巴特勒探討了生命的脆弱性以及這種脆弱性在政治和倫理領域的意義。

巴特勒認為，脆弱並不單純意味著受傷，而是指我們以身體或情感向未知的他者和世界敞開，打破身體的界限，探索未知的環境。這種開放性使我們能夠與他

者建立聯系，理解他者的痛苦和需求。她引用列維納斯（Emmanuel Levinas）的他者哲學，指出當我們面對脆弱且痛苦的他者面容時，作為情動身體，我們會被激發出某種責任，即無盡的回應能力。這種責任感促使我們傾聽他者的表達，盡管這種表達可能難以辨認或言明。因此，面對他者的脆弱性，我們的自我被納入傾聽的位置，他者則以其痛苦的面容向我們表達，這種互動構成了我們的倫理責任。

在政治層面，巴特勒強調，當我們以身體的脆弱對抗強權時，這種為弱勢他者在公共場合聲援、抗爭，乃至集體哀悼的行為，體現了一種勇於以脆弱姿態向強權展示的不畏懼的反叛表現。她認為，生命的脆弱性和易受傷害的身體感受，促使人們發現並強化彼此間的關聯和依存狀態。這種脆弱特質及依存屬性可以構成集體聯系及抵抗行為的紐帶，有助於重新構想全新的國際正義及全球民主政治。

情動理論關注情感和身體體驗在社會和文化中的作用。從情動理論的角度來看，巴特勒對脆弱性的闡述強調了身體作為情感和社會互動的媒介，其脆弱性使個體能夠感知和回應他者的情感和需求。這種對脆弱性的開放態度，促進了情感的流動和社會關係的建立，強化了集體行動的可能性。

Judith Butler認為集體哀悼是公共情感的表現，情感並不那麼私人，也應該有其公共面向。在集體聚會裡，大家透過分享詩歌，一同流淚、手牽手，形成互相感染的力量。集體哀悼活動的意義，並非只是行禮如儀。Judith Butler說生命的哀悼為何重要呢，因為哀悼裡湧現的不可知，往往多於可知。什麼意思呢？她用佛洛伊德的講法——當人失去一些東西時，很多時不知道真正失去的是什麼，但倒過來當你思考自己失落了什麼，反過來會令人思考自己存在的意義。

相關：科技身體的虛與實：從情動（affect）到後情緒（post-emotion）

愛墾APP:內在性平面plane of immanence感知構成主體：

一、《純粹內在性》（Pure Immanence: Essays on a Life，第1章）

“Consciousness becomes a fact only when a subject is produced at the same time as its object… The transcendental field would be defined as a pure plane of immanence, because it eludes all transcendence of the subject and of the object.”(sites.google.com)

主體（subject）與客體（object）是同時被生產的成果，非先有主體再認識世界。只有當「意識」經由與客體的交涉才被構成。在「純粹內在性平面」上，主體與客體尚未區隔，它們只在經驗事件中同時成為「成為」（becoming）的產物。

二、《德勒茲‧瓜塔里：超驗經驗哲學》中關於主體生成

“The subject is constructed… on an immanent plane of consistency… Subjects are the patterns of these multiple and serial syntheses which fold in on themselves producing a site of self‑awareness.”(medium.com)

主體非先在，而是作為多重語境下的綜合活動（syntheses）所建構；這些綜合發生於「內在性平面」──一種先於主體與世界區分的連續性場域。

三、《差異與重覆》（Difference and Repetition，第五章）

書中論述「感知──先於主體」之觀點：

在「不對稱的感性綜合」（asymmetrical synthesis of the sensible）中，感覺的生成機制（intensive spatium/空間）先在，然後綜合才生成「可識別」的對象與主體身份。(en.wikipedia.org)

從章節可見：感知作為「先於」構成主體的力量，是一種非已知映射，而是會產生主體—對象二元的生成機器。

四、《對於經驗的反轉》（Immanence as Experience）

“We must reverse the traditional view of experience… imagine experience itself as being prior to subjects and objects… experience is a—subjectless and objectless—field.”(mediarep.org)

這清楚對應：經驗不是主體執行的對象認識，而是先是一個中性場域（immanent field），從其中主體與對象才被生成。

對應表與考據：

德勒茲透過「內在性平面」建立一種經驗論觀點，以下幾點特別關鍵：經驗或感知場域位於主體／客體區分之前；主體—客體二元不是預設結構，而是在內在性平面上「生成」；知識與真理均為經驗事件的結果

岡杜拉·博世（Gundula Bosch）：訓練博士生成為思考者，而非僅僅是專家。

許多博士課程旨在培養專注於狹窄領域的研究人員，而非具備批判思維的人才。根據岡杜拉·博世（Gundula Bosch）的說法，這一點可以而且必須改變。

在壓力之下，為了快速培養出能在實驗室內高效工作的成員，許多生物醫學博士課程縮短了學習時間，擠壓了學生將研究置於更廣闊背景中的機會。結果是，大多數博士課程難以培養社會真正需要的宏觀思考者與創造性問題解決者。

這意味著學生被教導一個微生物生命週期的每個細節，卻很少接觸「科學人生」的全貌。他們應該學會辨識錯誤是如何發生的。學員應該透過分析來自有缺陷研究的案例研究，或者進行跨學科的推理遊戲，來找出文獻中的邏輯謬誤。最重要的是，學生必須了解真正的科學過程——包括它的限制、潛在陷阱，以及有趣的一面，例如偶然發現與令人捧腹的錯誤。

我正在馬里蘭州巴爾的摩的約翰霍普金斯大學填補這樣的空白。那裡的一項新的研究生科學課程即將邁入第二年。我與微生物學家阿圖羅·卡薩德瓦爾（Arturo Casadevall）從2015年初便開始推動改革，指出必須將「哲學」帶回博士學位的核心，也就是把「Ph」帶回 PhD。我們稱這個課程為「R3」，代表學生將學會在設計與執行實驗時保持嚴謹（rigour）；從社會責任（responsibility）的角度審視自己的工作；並培養批判性思考、更佳的溝通能力，從而提升研究的可重現性（reproducibility）。儘管我們知道已有不少創新的單一課程朝這個方向發展，我們則力求推動更全面性的改革。

我們所提供的課程與一般研究所課程不同。例如，我們有批判思維作業，學生需分析《紐約時報》一篇關於「糖業巨頭」的評論文章中邏輯推理的錯誤，或探討《紐約客》外科醫師阿圖爾·葛文迪（Atul Gawande）所寫〈對科學的不信任〉一文中論點的倫理意涵。我們的課程涵蓋嚴謹研究、科學誠信、邏輯、數學與程式設計等主題，並與學生的實驗室與田野工作相結合。例如，研究流感病毒的學生會使用真實病患資料集，面對應用統計的實際挑戰。

新的課程改革需從爭取支持者開始。學生與教師都必須看到偏離傳統路徑的價值。我們透過非正式訪談與焦點團體，找出學生與教師認為在訓練中存在的不足。反覆出現的主題包括：無法將統計理論應用於實驗室測試、經常在選擇適當的實驗對照組時出錯，以及難以向外行人清楚解釋研究內容等。

向約翰霍普金斯大學生命科學部門的同仁，介紹我們的課程計畫是一項更加敏感的任務。我驚訝地發現，許多人普遍認為科學生產力更多取決於死記硬背的知識，而非批判性思維能力。一些首席研究員對學生花更多時間於較不傳統的教育形式感到不安。贏得他們支持的最佳方式是——咖啡：我們反覆與各實驗室的負責人見面，了解他們的顧慮。

由於這項試驗計畫才剛起步，我們無法提供學生表現的數據，但我們可以正面回應教職員的質疑。有些同仁擔心，學生為了修習跨學科的課程（如倫理學、認識論和量化技能），會減少專業內容的課程數量。特別是，他們憂慮 R3 計畫可能會延長學生完成學位的時間，導致學生在其專業領域的知識不足，並且降低在實驗室的產出效率。

我們主張：提升批判性思維能力，以及減少強制性的專業課程，將會讓學生更具生產力。我們成功說服了幾位教授嘗試新制度，並參與結構化的評估，以判斷 R3 課程是否有助於學生的表現。

截至目前，我們從零開始建立了 5 門新課程，招收了來自近十個系所和學院的 85 位學生。這些課程涵蓋科學實踐中錯誤與不當行為的成因，並教導學生如何深入分析科學文獻。一個跨學科的討論系列鼓勵學生以更廣泛且批判性的角度來思考科學。我們的學生學習思考科研進展對社會的影響，例如基因改造精子與卵子的能力。

關於科學整體運作的更大議題，也促使學生反思科學的侷限，以及當科學具備某種能力時，科學家從道德觀點上是否應該去執行。此外，我們也舉辦專業技能的研討會與工作坊，特別著重於透過有效溝通、教學與指導來培養領導能力。

目前仍屬於早期評估階段，但到目前為止，學員們多次表示，擁有更廣闊的視角對他們大有助益。未來，我們將蒐集資料，分析 R3 方法對畢業生職涯選擇與成就的影響。

我們相信，接受更全面教育的研究人員，將以更周全的方式從事科學研究。如此一來，其他科學家與整個社會都能更可靠地依賴這些成果，邁向一個更理性、更美好的世界。科學應該努力自我提升，而不僅僅是自我修正。

（岡杜拉·博世 [Gundula Bosch]：訓練博士生成為思考者，而非僅僅是專家。Title: Train PhD students to be thinkers not just specialists；15 February 2018 Nature 554(7692): 277-277 ；DOI:10.1038/d41586-018-01853-1; by Authors: Gundula Bosch, Johns Hopkins Bloomberg School of Public Health）

愛墾APP:中國創意產業支持計劃～～包括透過政策扶持、融資機制、稅收優惠和國際推廣等方式來促進文化創意產業發展，並鼓勵中國內容「走出去」。以下是一些主要的計劃和機構：

中國創意產業支持計劃與機構

1.國家文化出口重點企業/項目名單

由中宣部、商務部等部門共同組織評選，支持具備國際競爭力的文化企業與內容（如影視、動畫、圖書、遊戲、數位內容）出口，提供政策與資金扶持。

• 資助方式：貸款貼息、出口退稅、專項資金支持

• 目標：推動「一帶一路」文化交流、提升中華文化影響力

2.文化產業發展專項資金

文化和旅遊部設立的專項資金，用於支持影視、動畫、設計、遊戲、數字內容等創意項目，尤其是具有國際市場潛力的企業。

• 資助形式：無償資助或貸款補貼

• 重點領域：數位文化、高端設計、原創IP孵化

3. 中國對外文化集團有限公司（China Arts and Entertainment Group, CAEG）

主要負責國家級文化「走出去」戰略實施，組織海外演出、展覽、交流項目，如「中國文化年」、「一帶一路文化行」等。

• 類似英國的 British Council

• 著重傳統藝術、演出、展覽，也開始拓展數位媒體與創意內容推廣

4. 中影集團、華策影視等大型影視公司

這些國有或大型民營企業常與政府合作進行內容出口，參與國際影展（如戛納、柏林）、推動合拍片與海外播映。

5.稅收與金融支持

地方政府如北京、上海、深圳等創意產業集群地區，設有：

• 稅收優惠政策：針對影視、動漫、設計企業減免增值稅、所得稅

• 創意產業基金：引導資金投入初創公司、原創內容開發

6. 文創園區與孵化基地

如北京的「中關村創意產業走廊」、上海「張江文化谷」、深圳「OCT創意園」等，為文化創意企業提供空間、政策、資金、海外對接等綜合服務。

總結對比（與英國）

陳明發：興觀羣怨

2025雛論

愛墾學術：「來都來了」到 Maker運動：態度文化與創客精神的東南亞映照

愛墾學術：丹納《藝術的哲學》評價巴黎文創環境

丹納（Hippolyte Taine）在《藝術的哲學》（Philosophie de l’art，1865–69）裡對巴黎有相當鮮明的批評。他一方面承認巴黎是藝術與思想的中心，但另一方面，他認為這個「中心」的氛圍也帶來了「過度刺激、短暫與浮躁」。

人才與機會的集中

丹納指出，巴黎是全國最能出人頭地的地方，所有有才智、野心和毅力的人都會擠到巴黎來。這讓巴黎成為「全國的頭腦」，不論是文學、繪畫、戲劇、科學，都會在這裡競爭和碰撞。但問題是：這種高度集中導致過度競爭與「自我消耗」。

過熱的知識與創作氛圍：丹納形容巴黎人處於「非正常」的精神狀態：頭腦過於發熱；精力過度消耗；情緒過度興奮。這種「熱病式」的氛圍，使得創作成果常帶有浮躁與短暫的特徵。

對藝術品質的影響：巴黎的文化產品（不論繪畫或文學）往往反映這種「過度興奮」的特質。有時候，這樣的刺激能推動創新（例如新流派的誕生）。但更多時候，這種躁動損害了藝術的深度與持久力。

換句話說：巴黎的藝術創造數量很多，但質量卻容易因環境的「熱病」而受損。

與地方的對比

丹納還強調，若把巴黎與地方（如省城、古都）相比：省城的環境雖然沒有巴黎的火熱競爭，但更安靜、自然，容易滋養深沉而純粹的藝術與思想。巴黎雖然是「時尚、流行、潮流」的發源地，但這些往往只是「片刻的光彩」，難以與持久的藝術成就相比。

總結

對丹納而言，巴黎是一個「光彩奪目卻患有熱病」的文化中心：它的活力與創造力不可否認；但它的浮躁、過度刺激、短期爆發，也讓藝術容易失去深度和純粹。這樣的評價，正好與我們前面討論的留言文字呼應（「頭腦不是處於正常和健全狀態，而是過分發熱，過分消耗，過分興奮」基本就是丹納的話）。