在學術訓練方面,多伊格先後就讀於英國溫布頓藝術學院(Wimbledon School of Art)、聖馬丁藝術學院(Saint Martin’s School of Art),並於1980年代中期進入切爾西藝術學院(Chelsea School of Art)深造。1989年,他取得倫敦皇家藝術學院(Royal College of Art)碩士學位。此時正值觀念藝術與極簡主義主導藝術界的年代,而多伊格卻堅持回到繪畫本身,這一選擇在當時顯得相當逆流,卻也奠定了他日後的獨特地位。
2.思想層面:從「記憶」驅動到「意識」驅動的境遇重構:「詞溢」是「記憶」驅動的,即語料庫的堆疊。 AI 知識之牆雖高,但那只是數據的記憶。它無法進行反思與體悟的整合,無法產生鄧以蟄所強調的「意識」驅動。 「睿見」是「意識」驅動的,是對意義的「重構」。 「意識」在這裡即是產生「境遇」的主體性。它不是重述觀念,而是透過詩人(創作者)的性靈參與,將客觀材料轉化為具有「人事意趣」的生命體驗。這扇「知識之牆上開出的窗」,正是通往具體「境遇」的通道。
馬厩 儺淄
[愛墾研創]彼得・多伊格(Peter Doig)是當代國際藝壇最具影響力與辨識度的繪畫大師之一,以其夢境般的風景畫、濃烈而詩性的色彩運用,以及介於記憶與現實之間的視覺語言,重新定義了當代繪畫在全球藝術市場與學術領域中的地位。他被普遍認為是自二十世紀末以來,最重要的具象繪畫藝術家之一。
一、個人生平與成長背景
彼得・多伊格於1959年出生於英國愛丁堡,童年時期隨家庭移居至加勒比海的千里達(Trinidad),隨後又前往加拿大成長。這種橫跨歐洲、加勒比與北美的成長經驗,深刻影響了他對「風景」與「空間記憶」的理解。他的畫面往往並非直接描繪某一真實地點,而是融合多重地理經驗、童年回憶與文化印象所形成的心理景觀。
在學術訓練方面,多伊格先後就讀於英國溫布頓藝術學院(Wimbledon School of Art)、聖馬丁藝術學院(Saint Martin’s School of Art),並於1980年代中期進入切爾西藝術學院(Chelsea School of Art)深造。1989年,他取得倫敦皇家藝術學院(Royal College of Art)碩士學位。此時正值觀念藝術與極簡主義主導藝術界的年代,而多伊格卻堅持回到繪畫本身,這一選擇在當時顯得相當逆流,卻也奠定了他日後的獨特地位。
1990年代初期,多伊格逐漸在國際藝壇嶄露頭角。他的作品受到倫敦蛇形畫廊、泰特美術館,以及紐約現代藝術博物館等重要機構收藏。進入二十一世紀後,他的畫作在拍賣市場屢創高價,使其成為當代在世藝術家中最具市場影響力的畫家之一。
二、藝術風格與創作主題
彼得・多伊格最為人稱道的,是他對風景畫的當代轉化。表面上看,他的作品似乎延續了十九世紀浪漫主義風景畫的傳統,然而實際上,他並非描繪自然本身,而是描繪「記憶中的自然」。他的風景經常帶有朦朧、漂浮、不穩定的特質,彷彿介於夢境與現實之間。
在畫面構成上,多伊格常使用大片色塊、層層疊加的顏料,以及刻意保留的筆觸痕跡,使畫面呈現出時間沉積的感覺。他的色彩運用極具辨識度,經常以強烈卻不刺眼的色調並置,如深紫、墨綠、橘紅與螢光般的黃色,營造出詭譎而詩意的氛圍。
多伊格的創作靈感多來自照片、電影畫面、新聞剪報與個人回憶,而非現場寫生。他常將原本平凡甚至略顯陰鬱的場景,如結冰的湖面、夜色中的小屋、空無一人的海灘,轉化為充滿情緒張力的畫面。人物在他的作品中往往顯得孤立、渺小,甚至模糊不清,強化了觀者的心理投射。
三、記憶、時間與心理空間
「記憶」是多伊格藝術中的核心主題之一。他的畫並非對過去的懷舊重現,而是一種不穩定、被反覆重構的心理狀態。畫面中常見的霧氣、水面反射、遮蔽視線的樹叢,皆象徵記憶的模糊與不確定性。
此外,多伊格的作品也經常被解讀為對「孤獨」與「疏離感」的描寫。無論是加拿大雪地中的獨木舟,或加勒比夜色下的建築,都呈現出一種靜止而略帶不安的氛圍。觀者彷彿站在畫面之外,無法完全進入,也無法抽身離開。
四、藝術史定位與影響
在藝術史脈絡中,彼得・多伊格被視為重振當代繪畫可能性的重要人物。在影像、裝置與數位媒介盛行的年代,他證明了繪畫仍能以深刻、複雜且具思想性的方式回應當代經驗。他的作品融合了浪漫主義、表現主義、電影美學與心理學層面,開創了一條屬於當代風景畫的獨特路徑。
總體而言,彼得・多伊格的藝術並不提供明確敘事,而是邀請觀者進入一個充滿情緒與不確定性的視覺世界。他的畫面如同一段段未完成的記憶,既私密又普世,使人在凝視之中不斷回望自身的情感與經驗。這正是他能在國際藝壇長久佔據重要地位的關
Jan 14
馬厩 儺淄
[愛墾研創·陳楨]〈生成與創化之辨〉Word-rich 與 Insightful 的區别
本文嘗試分辨AI年代創作的「詞溢」「word-rich」與「睿見」(insightful)現象,以深化了鄧以蟄教授與陳明發博士對「情動勞作」(affective labouring)與「文化創意」(cultural creativity)的核心理論。
在「境遇」的語境中,我們可以將這兩位學者的理論,轉化為區分 AI「生成」與人類「創化」的審美標準:「word-rich」是無靈魂的表象堆疊;而「insightful」則是根植於具體「境遇」的內觀與洞見。
以下將結合上述四個層面,具體深化兩位學者的理論應用:
1. 語言層面:從「外延繁殖」到「精神關節」的照見:「詞溢」對應鄧以蟄的「亂絲」與「表象」。 AI 擅長語言的「外延繁殖」,能製造辭藻華麗、氣勢磅礴的文字。但在鄧以蟄看來,這種缺乏結構與洞見的文字,就如同「一握亂絲」,「哪裡還有希望組成錦繡?」它只有外在形式,沒有內在的「知識」結實處。
「睿見」對應陳明發博士的「土下變動」與「看深」。 有洞見的語言或許極簡,但能「擊中」讀者,因為它捕捉到了事物底層的「精神關節」或「土下變動」。它不追求「說很多」,而是訴諸「內在的照見」,讓人看見了被提煉與昇華的「境遇」核心。
2.思想層面:從「記憶」驅動到「意識」驅動的境遇重構:「詞溢」是「記憶」驅動的,即語料庫的堆疊。 AI 知識之牆雖高,但那只是數據的記憶。它無法進行反思與體悟的整合,無法產生鄧以蟄所強調的「意識」驅動。
「睿見」是「意識」驅動的,是對意義的「重構」。 「意識」在這裡即是產生「境遇」的主體性。它不是重述觀念,而是透過詩人(創作者)的性靈參與,將客觀材料轉化為具有「人事意趣」的生命體驗。這扇「知識之牆上開出的窗」,正是通往具體「境遇」的通道。
3.感知層面:從「熱鬧」的音節到「安靜」的安頓: 「詞溢」的閱讀經驗是熱鬧的,訴諸感官刺激。這類似鄧以蟄提到的音節協和,雖然悅耳,但若缺乏「境遇」作為憑籍,結果便是「無病呻吟」或「言之無物」。讀者停不下筆,是因為被節奏帶著走,意識卻沒有著落。
「睿見」的閱讀經驗是安靜的、迴響的,訴諸心靈安頓。 它讓人停下來思索,產生精神上的響應。這正是阿諾德與鄧以蟄共同強調的「安頓」功能——在讀者心中留白,讓意義發酵,最終在心靈深處建立起穩定的秩序。這種「情動勞作」的結果,是靈魂的光亮,而非聲音的熱鬧。
4. 文化創意層面:從「生成」(Generation)到「創化」(Poiesis): 在 AI 時代,「詞溢」的「生成」文本隨處可見,但「睿見」的「創化」作品仍是人類獨有。
生成 (Generation): 處理「量」與「外延」,是技術活。它能模仿「境」的外貌。
創化 (Poiesis): 處理「質」與「內觀」,是生命活。它需要人類站在特定的「境遇」高台上,帶著批判性的洞察力與情感勞作,看見「土下變動」,捕捉「精神關節」。
鄧以蟄與陳明發博士的「境遇」理論,為 AI 年代的創作提供了關鍵的理論武器:真正的文化創意與情動勞作,不是關鍵詞的「剪切粘貼」,而是將生命經驗投入「境遇」熔爐中「鑄造」的過程。唯有具備這種根植於生命的「內觀」與「洞見」,才能創造出有靈魂、能安頓人心的作品。
愛墾註解
詞溢(Word-rich):語繁、辭繁,在中國古典文學批評中常指辭藻繁多但可能流於堆砌。這對應了鄧以蟄所說的「亂絲」或阿諾德所排斥的「感情自洩」。強調聲音的熱鬧與語言的外延同質繁殖。
睿見(Insightful):透徹的靈見、神悟或洞燭,強調看穿表象、直抵「精神關節」的穿透力;能照亮暗處、發現「土下變動」的敏銳意識。兼备陳明發博士的「看得深遠」,且強調了阿諾德式「對生活的批評」中所需的智性與評價能力。
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感性、詩性與認知美學的人文科學角度
Jan 28
馬厩 儺淄
[愛墾研創]藝術作為真理的歷史性發生:海德格爾之後的文化省思
在現代文化語境中,「藝術是什麼」已不再是一個純粹美學問題,而是一個牽涉存在、歷史與世界理解的根本性問題。當我們說「海德格爾認為藝術是真理的歷史性發生」時,這不僅是一句哲學命題,更是一種對現代文化自我理解的深刻挑戰。
在《藝術作品的起源》中,海德格爾提出一個顛覆傳統美學的主張:藝術作品不是審美對象,不是主觀情感的表現,也不是理念的感性象徵,而是真理發生的場所。他所謂的「真理」並非命題與事實的符合,而是希臘意義上的 ἀλήθεια——去蔽、顯現、開敞。換言之,真理不是被陳述的東西,而是存在自身向人顯現的事件。
在這一意義上,藝術不是再現世界,而是讓一個世界得以出現。梵高筆下的農鞋不僅是靜物畫,而是農夫勞作世界的敞開;希臘神廟不僅是建築,而是神、人、城邦與命運之關係的奠基。藝術作品使某種存在方式成為可經驗、可居住的世界,從而構成一個時代的精神地平線。
這也正是「歷史性」的核心。對海德格爾而言,歷史不是事件編年,而是存在如何在不同時代被理解的方式。每一個時代都有其獨特的「存在之理解」,而藝術正是這種理解的奠基力量。藝術作品不只是反映歷史,而是在深層意義上創造歷史——它決定了人們如何理解神、人、自然與自身。因此,藝術是真理的歷史性發生,亦即存在真理在歷史中的開顯事件。
這一觀點對現代文化構成了根本批評。現代社會傾向將藝術視為娛樂、消費或市場商品,將其納入技術理性與資本邏輯之中。在海德格爾看來,這標誌著藝術喪失了其「奠基世界」的力量,退化為文化產業的一部分。當藝術不再開啟世界,而僅僅被消費為風格與符號時,真理的歷史性發生便被遮蔽,存在也被還原為可計算的對象。
然而,這一思想同時也為當代文化提供了另一種可能性:如果藝術仍然能夠開啟新的世界理解,那麼它仍然具有深刻的歷史使命。當代藝術的實驗性、批判性與跨媒介性,或許正是試圖重新奠基一種不同於技術統治的世界經驗。在此意義上,藝術不僅是文化表現形式,而是人類如何在歷史中安居的關鍵事件。
因此,「藝術是真理的歷史性發生」不應被理解為浪漫化的藝術崇拜,而是一種存在論的文化診斷。它提醒我們:文化不是表層的符號交換,而是存在如何向自身敞開的歷史場域;藝術不是附屬於歷史的裝飾,而是歷史本身的生成力量。當我們重新思考藝術的這一存在論意義時,也就重新思考了人類如何在歷史中理解自身、理解世界,並可能重新開啟尚未被遮蔽的存在之路。
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